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SUMMARY:'VIDA = ARTE = VIDA' Retrospectiva del Wolf Vostell. Musac
DESCRIPTION:‘VIDA = ARTE = VIDA’ Retrospectiva del Wolf Vostell. Musac\n1 de diciembre de 2018\nUna gran retrospectiva dedicada al artista de origen alemán Wolf Vostell (Leverkusen\, 1932 – Berlín\, 1998)\, uno de los exponentes del arte europeo de posguerra\, co-fundador del movimiento Fluxus. \nAl cumplirse 20 años de su muerte y 40 años de la importante exposición ‘Bilder 1959-1974’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid\, esta muestra revisa la trayectoria del artista desde los años 50 hasta 1998 a través de una selección de sus obras más emblemáticas entre instalaciones\, pinturas\, esculturas y películas\, así como una selección de su rico archivo de documentación relacionada con sus proyectos más relevantes. \nNacido en Alemania y formado como artista en ese mismo país y en Francia\, Wolf Vostell mantuvo desde finales de los años 50 una fuerte vinculación con España\, donde fundó el Museo Vostell Malpartida en 1976\, con una amplia repercusión en una España deficitaria en arte contemporáneo. Fue asimismo un artista con influencia internacional\, creador en 1954 del término Dé-coll/age\, con el que se designa la técnica opuesta al collage\, es decir\, la creación de una nueva obra arrancando o rasgando partes de la original. \nEs considerado introductor en Europa del happening -en 1958 en París- y cofundador junto a Nam June Paik y George Maciunas del movimiento Fluxus\, en el que participó activamente haciendo patente una crítica de la fetichización de la televisión y la cultura del consumo. \nCon el título de ‘VIDA = ARTE = VIDA’\, la muestra recorre la trayectoria de este artista de origen alemán\, co-fundador del movimiento Fluxus\, creador del término Dé-coll/age y fundador del Museo Vostell Malpartida en Extremadura. Con motivo de la inauguración\, el sábado 1 de diciembre a las 19:00 horas se ofrece un recorrido guiado por la muestra con su comisario\, Manuel Olveira. \nEl director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León\, Manuel Olveira y el director del Museo Vostell Malpartida\, José Antonio Agúndez\, han presentado hoy en rueda de prensa la exposición ‘VIDA = ARTE = VIDA’\, de Wolf Vostell (Leverkusen\, 1932 – Berlín\, 1998)\, que se abrirá al público el sábado 1 de diciembre de 17:00 a 21:00 horas. Al cumplirse 20 años de su muerte y 40 de la importante exposición ‘Bilder 1959-1974’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid\, la muestra en el MUSAC revisa la trayectoria de Vostell desde los años 50 hasta 1998\, a través de una selección de en torno a medio centenar de sus obras más emblemáticas entre instalaciones\, pinturas\, esculturas y películas\, así como documentación perteneciente al rico archivo del artista\, que podrá verse por vez primera. \nLa exposición\, que podrá visitarse hasta el 26 de mayo\, atiende a los conceptos clave sobre los que Vostell trabajó toda su carrera: la exploración de los límites del arte\, las relaciones entre arte y vida\, así como la documentación emocional e intelectual de los cambios y conflictos políticos y sociales de la época a través de estrategias artísticas entonces innovadoras como la serialidad\, el happening\, el Dé-coll/age o el uso de la innovaciones tecnológicas como el vídeo. \nEl artista afirmó: «el arte es igual a la vida\, la vida es igual al arte»\, frase con la que muestra sus principios basados en una confrontación estética con los eventos cotidianos. La exposición ‘VIDA = ARTE = VIDA’ responde a este principio esencial en la carrera de Vostell a través obras procedentes tanto del Museo Vostell Malpartida como de la Colección Fluxus Gino di Maggio\, de colecciones de instituciones públicas como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el Patio Herreriano\, así como de prestadores privados\, algunas de las cuales se exponen por vez primera en esta muestra. \nPara el montaje en León de la obra ‘Energía’ (1973) se cuenta con la colaboración de de los dos diarios impresos de la provincia de León\, el Diario de León y la Nueva Crónica\, que el sábado 1 de diciembre publicarán en sendas inserciones la frase de Vostell «Son las cosas que no conocéis las que cambiarán vuestra vida». Los diarios se integrarán en la instalación ese mismo día. \n Con motivo de la exposición\, el 23 de febrero tendrá lugar una representación del acto final de la ópera fluxus ‘El jardín de las delicias’\, concebida por Vostell y que se ejecutó por primera vez en 1982 en el marco del Festival ‘Pro musica nova‘ en Bremen (Alemania). \n Un artista de influencia internacional con fuerte vinculación con España \nNacido en Alemania y formado como artista en ese mismo país y en Francia\, Wolf Vostell mantuvo desde finales de los años 50 una fuerte vinculación con España\, donde fundó el Museo Vostell Malpartida en 1976\, con una amplia repercusión en una España deficitaria en arte contemporáneo. Fue asimismo un artista con influencia internacional\, creador en 1954 del término Dé-coll/age\, con el que se designa la técnica opuesta al collage\, es decir\, la creación de una nueva obra arrancando o rasgando partes de la original. \nEs considerado introductor en Europa del happening -realizó el primero en 1958 en París- y cofundador junto a Nam June Paik y George Maciunas del movimiento Fluxus\, en el que participó activamente haciendo patente una crítica de la fetichización de la televisión y la cultura del consumo. \nDesde 1954\, el dé-coll/age se convierte en principio crítico y creativo de su producción artística. En 1958 produjo sus primeros dé-coll/ages con televisores y piezas de automóviles\, convirtiendo a la omnipresencia de estos objetos en la vida cotidiana en uno de los temas principales de su obra. El mismo año integró un televisor en la obra Transmigración. Sus dé-coll/ages\, por su tanto\, no se limitan a deformar\, aislar y sobre-pintar objetos\, sino que se extienden al espacio electrónico. \nDesde entonces\, continuó experimentando con collages\, imágenes  extraídas de la iconoesfera\, happenings\, dibujos\, vídeos y muchos otros medios artísticos. Desde 1969\, Vostell realiza numerosos betonnages\, constituyendo el hormigón una metáfora de opresión y bloqueo. \nLas propuestas de Vostell se enfrentan a la anestesia y la indiferencia de la sociedad y generan un discurso emocional e intelectual sobre muchos temas del panorama cultural y político internacional del momento. Su trabajo critica directamente el sistema político\, los desastres de la guerra\, la codicia del capitalismo tardío\, la opresión de las ideologías hegemónicas o el consumismo\, la influencia de los medios de comunicación\, la representación de la sexualidad o el tabú y el tratamiento que reciben grupos marginados en nuestra sociedad caracterizada por la manipulación mediática\, la sobreexcitación del consumo o la homogeneización del gusto cultural. Por ello\, su obra sobrepasa las esferas convencionales del arte y llega hasta el espacio público y la vida en general. \n VIDA = ARTE = VIDA. La exposición \nA excepción de las exposiciones temáticas que significativamente han realizado el Museo Vostell Malpartida y el Gobierno de Extremadura\, la última gran retrospectiva dedicada a Wolf Vostell en una institución de nuestro país tuvo lugar hace ahora 40 años\, en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Con la muestra ‘VIDA = ARTE = VIDA»\, el MUSAC pretende cubrir esta laguna de casi medio siglo para dar a conocer una obra que ha inspirado a generaciones de creadores e historiadores. \nLa exposición está organizada cronológicamente\, con el objetivo de ofrecer una visión exhaustiva de toda su trayectoria. El recorrido comienza con una de sus obras capitales\, ‘Transmigración III’ (1958)\, en la que por primera vez incorporó un televisor en sus trabajos; y continúa con algunas de sus conocidas propuestas de Dé-coll/age\, tales como ‘Orero 8’ (1961)\, proveniente del Museo Patio Herrariano\, la gran instalación ‘6 TV Dé-Coll/age’ (1963)\, prestada por el MNCARS; ‘Energía’ (1973)\, prestada por el MVM o ‘Sinfonía para 40 aspiradores’ (1976)\, prestada por la familia del artista. \nTambién están presentes algunas obras de sus series o ciclos más conocidos como ‘El muerto que tiene sed’ (1978)\, el ciclo ‘España’ (1985-86) o ‘El entierro de la sardina’ (1985-86)\, junto a cuadros escasamente exhibidos por sus grandes dimensiones como ‘La caída del muro de Berlín’ (1990) o ‘9 de noviembre’ (1989). En uno de los patios del museo puede verse la obra ‘130 Km/h’ (1963)\, que presenta el vehículo original que fue arrollado por una locomotora en el marco de una de la acciones del happening ‘Nein-9-dé-coll/agen’ (1963). \nAdemás\, esta exposición presenta por primera vez el archivo Vostell en su totalidad\, a través del que podemos acceder a propuestas como hormigonamientos o esculturas para el espacio público. \nCon esta extensa exposición se pretende dar a conocer la obra de un artista fundamental para entender las propuestas más arriesgadas e innovadoras de los años sesenta que suponen los fundamentos de muchas de las prácticas del arte actual. \nInformación práctica \nTítulo de la exposición: VIDA = ARTE = VIDA \nArtista: Wolf Vostell (Leverkusen\, Alemania\, 1932 – Berlín\, Alemania\, 1998) \nComisariado: Manuel Olveira \nLugar: MUSAC. Salas 1 y 2 \nFechas: 1 de diciembre de 2018 – 26 de mayo de 2019 \nInauguración: Sábado 1 de diciembre\, 17:00 – 21:00 h. Entrada gratuita sábado 1 y domingo 2 de diciembre. \nActividades en relación a la exposición \n– Visita inaugural con el comisario de la muestra\, Manuel Olveira. Sábado 1 de diciembre de 2018\, 19:00 h. Actividad gratuita hasta completar el aforo. \n– Ópera Fluxus El jardín de las delicias\, de Wolf Vostell (acto final). Sábado 23 de febrero de 2019\,19:00 horas. Actividad gratuita hasta completar el aforo. \nHorario de apertura: Martes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h. / Sábados\, domingos y festivos de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h. Lunes cerrado por descanso
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SUMMARY:'Aquí eran los ojos los que hablaban' Fundación Cerezales Antonino y Cinia
DESCRIPTION:‘Aquí eran los ojos los que hablaban’ Fundación Cerezales Antonino y Cinia\nFina Miralles y Rita Ponce de León.\nDel 2 de diciembre de 2018 a las 12:00 horas\nHasta el 31 de marzo de 2019 \nEn un capítulo del pequeño libro Testament Vital de Fina Miralles (Sabadell\, 1950)\, la artista recuerda su paso por distintos lugares de Latinoamérica\, donde entra en contacto con los pueblos indígenas de la región. “Aquí eran los ojos los que hablaban\, y no las palabras… nos entendíamos con el sentimiento y la mirada”\, apunta entonces en su cuaderno. \nEsta frase nos sirve ahora de título y contexto para este proyecto curatorial que pone en diálogo la práctica artística de Fina Miralles con la de Rita Ponce de León (Lima\, 1982). El trabajo de ambas artistas\, aunque alejado generacional y geográficamente\, se acerca extraordinariamente en su esencia. Fuertemente anclado a la tierra\, a la vida\, a lo matérico\, a creencias y rituales ancestrales que conforman un potente lenguaje simbólico\, sus dibujos\, acciones\, encuentros o instalaciones conforman una particular visión de la relación de lo humano con la naturaleza. Alejándonos de los dualismos establecidos por la modernidad occidental\, sus proyectos conectan con algunas corrientes filosóficas y de pensamiento que tratan de propiciar un nuevo enfoque en nuestros días\, rescatando distintos saberes que parecen diluirse en la uniformidad global. Si en este mundo híper-conectado\, líquido y veloz una vuelta a cierta esencia es necesaria\, los trabajos en esta exposición articulan un diálogo sincero entre ellos y con el entorno atendiendo a lo muy cercano\, creando conexiones sensibles y conformando un lenguaje poético a partir de un estrecho diálogo con la tierra y una intensa presencia del ser. \nComisario: Juan Canela
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SUMMARY:Exposición IV certamen de fotografía urbana contemporánea leonesa. Museo de León
DESCRIPTION:Exposición IV certamen de fotografía urbana contemporánea leonesa. Museo de León\nViernes 11 de enero\, a las 18 horas.\nHasta el 3 de marzo de 2019\nMuseo de León \nEl primer premio recayó en la instantánea ‘Vigilados’ del autor el leonés Javier Cañizares Gil. El segundo premio fue para M Carmen Verde Arias por su imagen ‘Espacios ensamblados’ y el tercer premio recayó en la fotografía sin título de Isabel Muñiz Santos. El jurado de esta cuarta edición también ha contemplado dos menciones especiales para las obras ‘La Bella’\, de Pablo García García\,( Pablo Je Je) y ‘La ventana discreta’\, de Maria Jesus Gonzalez Garcia \n\nLas fotografías premiadas serán expuestas a partir del viernes 11 enero 2019 a las 18:00 horas en el Museo de León junto con una amplia selección de las 396 obras presentadas en esta cuarta edición y la muestra ’10 ciudades (y 20 impresiones) \, del ganador del año pasado\, Santi A. Sagredo\, que ha sido producida por la Cámara de la Propiedad Urbana de Leon y Centro de Negocios Independencia como parte del primer premio. La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 3 de marzo. \nExposición IV certamen de fotografía urbana contemporánea leonesa. Museo de León\n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n\n\n 
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SUMMARY:'No me vengas con cuentos' Exposición fotográfica. Colectivo Diafragma. Palacio de Don Gutierre. León
DESCRIPTION:‘No me vengas con cuentos’ Exposición fotográfica. Colectivo Diafragma. Palacio de Don Gutierre. León \nEl colectivo de fotografía «Diafragma León» inaugura una exposición este Jueves 17 de enero de 2019 a las 20:00h en el PALACIO DON GUTIERRE. \nEnmarcada dentro del ciclo ‘INTERVENCIONES EN EL PALACIO DON GUTIERRE 2019’\, recibe el nombre de “No me vengas con cuentos». \nSe trata de una colección de 20 imágenes en la que sus autores muestran una visión muy particular y personal de uno de los cuentos infantiles más populares de la tradición mundial. \nLa muestra podrá visitarse desde el 17 de enero hasta el 29 de marzo de 2019 en el Palacio Don Gutierre\, de lunes a viernes\, en horario de 9.00 a 21.00 horas.
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SUMMARY:El Giro Notacional\, Soliloquium y Open Environmental Kit. MUSAC
DESCRIPTION:El Giro Notacional\, Soliloquium y Open Environmental Kit. MUSAC\nSábado 26 de enero de 17:00 a 21:00 horas se inauguran tres nuevas exposiciones: \n– El giro notacional\n26 de enero – 15 de septiembre \n– Miguel Ángel Rego. Soliloquium\n26 de enero – 26 de mayo \n– María Castellanos y Alberto Valverde. Open Environmental Kit\nConvocatoria Laboratorio 987\n26 de enero – 26 de mayo \nCon motivo de la inauguración\, la entrada al museo será gratuita los días 26 y 27 de enero. \nPROGRAMA INAUGURAL \nSábado 26 de enero\n\n– 18:00 h. Visita guiada a la exposición Soliloquium con Miguel Ángel Rego\, artista\, y Montserrat Rodríguez Garzo\, comisaria. \n– 19:00 h. Visita guiada a la exposición El giro notacional con José Iges y Manuel Olveira\, comisarios. \n– 20:00 h. Visita a guiada al proyecto Open Environmental Kit con María Castellanos y Alberto Valverde\, autores. \nDomingo 27 de enero \n– 12:30 h. Visita guiada a la exposición El giro notacional con José Iges y Manuel Olveira\, comisarios. \n– 13:30 h. Performance Transbordo espacial (música paseada)\, de Pelayo Fernández Arrizabalaga. En el marco de la exposición El giro notacional. \nSobre El giro notacional \nEntendemos por notación —el gesto o el hecho de anotar— un sistema de signos convencionales que se adopta para expresar conceptos matemáticos\, físicos\, musicales\, etcétera. Si de esta definición extraemos la palabra “convencional”\, la forma de entender la notación se extiende más allá de los lenguajes formales\, hasta sumergirnos en territorios artísticos donde todo puede ser inestable\, frágil y abierto\, para hacer que todo sistema comunicativo se abra y se adapte a la visión del creador. \nSon estos lenguajes los que trata de pulsar y dar visibilidad este proyecto comisariado por José Iges y Manuel Olveira y que reúne 115 obras de en torno a 70 autores nacionales e internacionales. Las obras presentes en la exposición muestran una serie de prácticas creativas que permiten codificar formas para “escribir”\, representar e indicar lenguajes que traducen la realidad\, traducen lenguajes entre sí o permiten descodificarlos e interpretarlos. Son\, pues\, “herramientas” para representar\, traducir y codificar territorios de todo tipo: físicos\, geográficos\, mentales\, emocionales\, sociales\, conceptuales\, lingüísticos\, etc. que se articulan como modos de representación y de expresión de sonidos\, movimientos\, espacios… pero con un giro que los aleja de la mera notación convencional. \nPara dar cuenta de la complejidad del uso creativo de la notación\, la exposición se organiza en torno a cinco temas genéricos: las notaciones relacionadas con lo musical y lo sonoro\, las notaciones cinéticas del movimiento\, las notaciones cartográficas y espaciales\, las notaciones del cálculo y la ciencia y\, por último\, las notaciones del pensamiento. \nSobre ‘Soliloquium’ \n‘Soliloquium’ es un proyecto artístico de Miguel Ángel Rego (Madrid\, 1985) con el acompañamiento teórico de Montserrat Rodríguez Garzo\, que incide en la relación entre arte\, ciencia\, economía y otras producciones culturales. \nEl trabajo se desarrolla en torno a la incidencia actual en el pensamiento artístico y científico de dos textos decisivos en la literatura científica de finales del siglo XIX: ‘Textura del sistema nervioso del hombre y de los vertebrados’\, de Santiago Ramón y Cajal\, y ‘Proyecto de una psicología para neurólogos’\, de Sigmund Freud\, escritos que representan la modificación del pensamiento científico contemporáneo y el fundamento de una nueva discursividad. \nSobre ‘Open Environmental Kit’ \n‘Open Environmental Kit’ es un proyecto colaborativo de ciencia ciudadana puesto en marcha por María Castellanos (Gijón\, 1985) y Alberto Valverde (Madrid\, 1967) y seleccionado por la Convocatoria Laboratorio 987 de ayudas a la producción del arte y la cultura. \nRealizado en código abierto\, el objetivo principal de la propuesta es contribuir al uso crítico de la tecnología poniendo a disposición de la ciudadanía el conocimiento y recursos necesarios para la creación de kits medioambientales vestibles -conocidos en inglés como wearables- que permiten medir variables medioambientales comocantidad de polvo en el ambiente\, temperatura\, radiación ultravioleta\, radiación infrarroja\, cantidad de ruido\, monóxido de carbono\, presión atmosférica\, humedad\, etc. \nLa información acerca del proceso\, materiales y código necesarios para replicar estos kits estará disponible en la web www.environmentalkit.org y para la creación de los dispositivos se utilizarán plataformas de software abierto y herramientas DIY (hazlo tú mismo) de bajo coste. De este modo\, las personas podrán tener acceso a la información medioambiental de una forma directa. \nInformación práctica \nEl giro notacional \nArtistas: Francesc Abad\, Ignasi Aballí\, José Luis Alexanco\, Alain Arias-Misson\, Armadanzas (Paz Brozas\, Víctor Martínez)\, Elena Asins\, Manuel Barbadillo\, Llorenç Barber\, Cristina Barroso\, Ricardo Bellés /José Iges\, Cathy Berberian\, Josep Lluis Berenguer\, José Manuel Berenguer\, Denys Blacker\, Jaap Blonk\, Peter Bosch / Simone Simons\, John Cage\, Cornelius Cardew\, José Luis Castillejo\, Merce Cunningham\, Darío Corbeira\, Analivia Cordeiro\, Philip Corner\, Carlos Cruz de Castro\, Maria Escribano\, Pelayo Fernández Arrizabalaga\, Esther Ferrer\, Giovanni Fontana\, Terry Fox\, Laura Gibellini\, Yolande Harris\, Barbara Held / Benton C. Bainbridge\, Joël Hubaut\, Concha Jerez\, Tom Johnson\, Manuel Jular\, Mauricio Kagel\, Nader Koochaki\, Elena Lavellés\, Le Corbusier\, Lugan\, José Maldonado\, Walter Marchetti\, Abel Martín\, Josep Maria Mestres Quadreny\, Julie Mehretu\, Phill Niblock\, Pauline Oliveros\, Luis de Pablo\, Tatiana Parcero\, George Perec\, Ximena Pérez Grobet\, Miguel Ángel Rego\, Inken Reinert\, La Ribot\, Alyce Santoro\, Eusebio Sempere\, Álvaro Terrones\, Valcárcel Medina\, Jesús Villa Rojo\, Christian Wolff\, Iannis Xenakis\, Zaj. \n26 de enero – 15 de septiembre 2019 \nComisariado: José Iges y Manuel Olveira\nMUSAC. Salas 4 y 5 \nSoliloquium \nArtista: Miguel Ángel Rego (Madrid\, 1985) \n26 de enero – 26 de mayo\, 2019 \nComisariado: Montserrat Rodríguez Garzo \nMUSAC. Laboratorio 987 \nOpen Environmental Kit \nAutores: María Castellanos (Gijón\, 1985) y Alberto Valverde (Madrid\, 1967) \nConvocatoria Laboratorio 987 \n26 enero – 26 de mayo 2019 \nMUSAC. Proyecto Vitrinas
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SUMMARY:'Mujeres en conflicto' Exposición de fotografía de JM López. Museo de León
DESCRIPTION:‘Mujeres en conflicto’ Exposición de fotografía de JM López. Museo de León \nMUJERES EN CONFLICTO\nEl proyecto hace un recorrido por una parte de los conflictos armados que existen en la actualidad\, teniendo a las mujeres como hilo argumental. El sufrimiento que las guerras provocan en la población civil alcanza por igual a todos sus habitantes sin distinción de sexo o edad. Sin embargo\, esta exposición quiere tener a las mujeres como protagonistas.\nLas imágenes muestran a madres que han perdido a sus hijos o\, lo que es peor\, continúan desaparecidos; amas de casa que han visto sus hogares destruidos\, quemados y saqueados; jóvenes que padecen estrés post traumático\, y difícilmente van a poder recuperar la salud mental; poblaciones discriminadas por ser indígenas y condenadas a la pobreza y la exclusión social; adolescentes vendidas como esclavas sexuales y víctimas de la violación como arma de guerra; chicas obligadas a vestir siguiendo los códigos dictados por la religión; o mujeres que decidieron tomar partido como combatientes por alguno de los bandos.\nUn viaje a 16 países que continúan en guerra\, o todavía están sufriendo las consecuencias que éstas provocan ya que\, en muchas ocasiones\, los conflictos bélicos no terminan cuando cesan los enfrentamientos\, o con la firma de un tratado de paz. Desgraciadamente\, se extienden en el tiempo durante muchos años más\, afectado a la población civil.\nA todas las mujeres que sufren violencia\, acoso o discriminación solo por el hecho de serlo.
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SUMMARY:'Raíces' Exposición fotográfica sobre antruejos de León. marc GreenBase y Carmen Coque. Fundación Vela Zanetti.
DESCRIPTION:‘Raíces’ Exposición fotográfica sobre antruejos de León.\nmarc GreenBase y Carmen Coque. Fundación Vela Zanetti.\nInauguración: Vienes 8 de febrero a las 20:00 horas\nDel 8 al 27 de febrero de 2019\n«Raíces es un proyecto que nace en torno a un café y a una charla de sobremesa entre amigos. La gran influencia que ha ejercido sobre nuestra formación como fotógrafos el trabajo de la gran Cristina García Rodero\, con su “España Oculta”\, nos inspiró para acometer algo parecido en nuestra tierra. Tratar de conservar en el tiempo todos aquellos aspectos que tengan que ver con nuestras raíces leonesas\, desde las tradiciones populares y folclore\, como hizo ya en su día Cristina\, hasta esas profesiones antiguas a punto de desaparecer\, abarcando también nuestras tradiciones culinarias o todo lo que tenga que ver con nuestra esencia. Al ser inabarcable en una única exposición se ha concebido como un proyecto abierto\, en el que continuaremos trabajando en los próximos años y que se materializará\, de momento\, en forma de exposiciones. \nEn esta primera muestra hemos querido poner el foco sobre los antruejos\, concretamente los que se llevan a cabo en la zona de Carrizo de la Ribera\, Llamas de la Ribera y Velilla de la Reina. El papel que juega la fotografía como instrumento de la memoria colectiva es de vital importancia. De hecho\, el arduo trabajo que han llevado a cabo las asociaciones culturales de los distintos ayuntamientos para la recuperación y conservación de sus tradiciones ha sido posible\, no solo a los testimonios de nuestros mayores\, sino también a las antiguas fotografías conservadas. Por eso queremos contribuir\, con nuestro pequeño grano de arena\, a esa memoria colectiva que alimenta nuestras raíces.» \nFundación Vela Zanetti.\nCalle Pablo Flórez s/n 24003 León.\nHorario:\nDe martes a sábado: de 10:00 a 13:00 h y de 17:00 a 20:00 h\nDomingos\, lunes y festivos cerrado
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SUMMARY:MUSAC inaugura la primera exposición individual en España de Channa Horwitz
DESCRIPTION:MUSAC inaugura la primera exposición individual en España de Channa Horwitz\nSábado 9 de febrero de 17:00 a 21:00 horas.\nHasta el 26 de mayo\nSe trata de la primera muestra individual en España dedicada a Channa Horwitz (Los Ángeles\, EE.UU.\, 1932 – 2013)\, artista que produjo un cuerpo de trabajo de marcada independencia que se expresa en ciclos de obras y notaciones que son al mismo tiempo conceptualmente rigurosas y visualmente sofisticadas\, en su mayoría en forma de dibujos que siguen las mismas reglas básicas y que describen la realidad a través de la abstracción. \nLa exposición\, que podrá visitarse hasta el 26 de mayo\, reúne en torno a 60 piezas pertenecientes a los principales grupos de obras producidos por Horwitz desde principios de los años 60 hasta su muerte en 2013\, y muestra cómo la artista transpuso sus sistemas de signos a géneros como la pintura\, la escultura\, la instalación y la performance. El proyecto\, comisariado por Ellen Blumenstein\, se centra\, además de otras obras\,  en tres series clave: ‘Language Series’ (1964/2003-11)\, ‘Sonakinatography’ (1968-2011) y su periodo creativo tardío (después de 1980). \nAdemás\, con motivo de la exposición en MUSAC\, el dibujo ‘Mural Proposal for Ovitz’ (2011) será presentado a gran escala por primera vez en la historia\, constituyendo una de las escasas ocasiones en las que los murales e instalaciones de gran formato concebidos por Channa Horwitz han sido llevados a cabo\, pese a ser una artista que en los últimos años de su vida adquirió un reconocimiento internacional que le llevó a participar en exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Raven Row (Londres)\, Kunst-Werke Institute for Contemporary Art (Berlín)\, Kunsthalle Wien (Viena)\, Whitney Museum of American Art (Nueva York) o el MoMA (Nueva York)\, que también tiene obra de la artista en su colección. Su obra ha podido verse asimismo en importantes acontecimientos artísticos como la Bienal de Venecia (2014) o la Bienal de Whitney (2014). \nUn sistema de reglas para representar el tiempo y el movimiento  \nCon su práctica artística Horwitz se propuso crear\, en sus propias palabras\, “un mundo aparte de ritmo visual” que fuera igualmente válido en todas las formas de arte. Su interés principal era abordar el espacio y el tiempo como una unidad indivisible\, un tema que parece cada vez más actual dada la creciente relevancia de lo virtual. La práctica artística de Horwitz se desarrolló a partir de un reducido número de reglas: basó todo su trabajo en los números uno al ocho -a menudo implementando un código de color para cada número-\, y usó este sistema para representar el tiempo y el movimiento. \nLa exposición comienza presentando los principios básicos de las tres series que articulan el proyecto y cómo fueron aplicados a través de elaboraciones cada vez más complejas. Tanto en sus notaciones compuestas en papel milimetrado estándar\, como cuando desarrolla un lenguaje abstracto que se materializa en forma de círculos negros y rectángulos en una cuadrícula naranja\, Horwitz juega con las posibles variaciones visuales en el plano pictórico\, en el espacio y en el tiempo. \nLa artista realizó su primera serie ‘Language series’ en 1964. Los pictogramas negros que consisten en cuadrados y rectángulos sobre un fondo de color naranja\, y que combinó con círculos en una segunda variación\, podían construirse de acuerdo con reglas predefinidas dando lugar a ciento veinte posibles variaciones. Horwitz plasmó visualmente la estructura básica y la matriz de referencia en dos grandes paneles —’Language Series I y II’\, ambas del periodo 1964-2004— realizando secuencias de imágenes individuales o bloques en paralelo\, en su totalidad y en parte\, variando al mismo tiempo las dimensiones de los dibujos. \nA continuación\, Horwitz desarrolló el principio básico de ‘Sonakinatography’ – neologismo inventado por la artista y compuesto por las palabras griegas para sonido (sona)\, movimiento (kinéō) y notación (graphia)- \, comprimiendo un compás de ocho campos en uno para facilitar la realización de notaciones más complejas. Para las veintitrés composiciones diferentes de ‘Sonakinatography’\, eso se tradujo en una combinación programática del plano de la imagen con el movimiento o el sonido en el espacio. Horwitz añadió una cuarta dimensión\, que indicaba el cambio a lo largo del tiempo. Las principales obras realizadas por Horwitz en la década de 1970 fueron variaciones de la ‘Sonakinatography Composition III’\, que fue adaptada para ser ejecutada como espectáculo lírico\, de danza y sonido. En esta exposición se muestra una variación de prácticamente todas las composiciones completas de ‘Sonakinatography’. \nAunque la exposición incluye obras de series como ‘Flowings’\, ‘Moire’ o ‘Canon’ muy importantes del trabajo de la artista californiana\, ‘Language Series’ y ‘Sonakinatography’ son especialmente significativas dentro de la obra de Horwitz. No solo se encuentran entre los primeros grupos de obras\, de las que se derivaron todos los trabajos posteriores\, sino que\, además\, la artista continuó trabajando y desarrollando estas dos series de forma intermitente a lo largo de toda su carrera. En sus años de madurez\, Horwitz animó además a los artistas más jóvenes a producir nuevas interpretaciones musicales y coreográficas de sus primeras composiciones de la serie ‘Sonakinatography’. \nArtes en vivo en relación con la exposiciónLas composiciones de ‘sonakinatography’ se han llevado a cabo de diversas ocasiones a través de percusión\, danza\, palabras habladas\, luces e instrumentos electrónicos. Es por ello que\, como actividad para profundizar en los conceptos abordados por Channa Horwitz a lo largo de su trayectoria\,  diversos artistas relacionados con el sonido y el movimiento dialogarán con las obras de Horwitz a partir del martes 12 de febrero y hasta la clausura de la muestra el domingo 26 de mayo\, empleando el trabajo de la artista como inspirador para crear composiciones de danza\, performance\, música\, etc. Las actividades se iniciarán el martes 12 de febrero a las 19:00 h. con una propuesta del actor Manuel AO\, seguido de Ángel Zotes (martes 19 de marzo); Pablo Parra (martes 2 de abril); Alba Gonzalez (martes 30 de abril) y Javier Iriso (domingo 26 de mayo). \nInformación práctica \nTítulo de la exposición: El factor ocho \nArtista: Channa Horwitz (Los Ángeles\, EE.UU. 1932 – 2013) \nComisariado: Ellen Blumenstein \nLugar: MUSAC. Sala 3 \nFechas: 9 de febrero – 26 de mayo de 2019 \nInauguración: Sábado 9 de febrero\, 17:00 – 21:00 h. \nActividades en relación al proyecto: \n– Visita inaugural a la exposición con Ellen Blumenstein\, comisaria. \nSábado 9 de febrero\, 19:00 h. \n– A vueltas con el factor ocho. Artes en vivo en diálogo con la obra de Channa Horwitz.\nMartes 12 de febrero\, 19 de marzo\, 2 de abril\, 30 de abril y domingo 26 de mayo a las 19:00 h.\nPrograma: Manuel AO (12 de febrero) / Ángel Zotes (19 de marzo) / Pablo Parra (2 de abril) / Alba González (30 de abril) / Javier Iriso (26 mayo).
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SUMMARY:Exposición 'Contextos Creativos' Sala de exposiciones Campus de Ponferrada. ULE
DESCRIPTION:Exposición ‘Contextos Creativos’ Sala de exposiciones Campus de Ponferrada. ULE\nDel 14 de febrero al 8 de marzo de 2019\nHorario de Lunes a Viernes de 10 a 20 horas\nLA FUNDACIÓN MERAYO LLEVA SU EXPOSICIÓN “CONTEXTOS CREATIVOS”\, A LA SALA DEL CAMPUS DE DE PONFERRADA CON LA COLABORACIÓN DE LA UNIVERSIDAD DE LEÓN El Jueves 14 de febrero tendrá lugar a las 12\,00.horas en la Sala del Campus de Ponferrada la inauguración de la exposición “Contextos Creativos”\, donde permanecerá hasta el día 8 de marzo. La muestra\, procedente de las Salas del Albéitar de la Universidad de León\, donde ha estado expuesta desde el día 10 de enero hasta el 8 de febrero del presente año 2019\, comprende las obras de siete artistas que trabajan en diferentes ámbitos de la creación: Pintura\, fotografía y arte audiovisual\, más un notable conjunto de grabados japoneses antiguos . En la pintura\, tres interesantes pintoras\, dispares en lenguajes plásticos y adscripciones estéticas presentan sus obras: \nCristina Ibáñez\, pintora formada en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Vive y trabaja en León\, realizando un trabajo plástico siempre concernido por niveles de significación profunda. Pintura/escritura con la que aborda un repertorio iconográfico de formas zoomórficas\, antropomórficas\, vegetales o geométricas caracterológicamente prehistóricas\, que suponen un nivel de escritura simbólica formalmente cercana al signo que se utilizó en la pintura informalista. El interés por los soportes y medios no pictóricos le ha llevado a la práctica de la instalación. \nRoser Arcarons inició su formación pictórica especializándose en el retablo\, una técnica que se ha convertido en su gran pasión y con la que crea cezannianos paisajes en busca de geometría\, y bodegones de colores. Obras suyas se encuentran en importantes colecciones privadas\, como es la del Comité Olímpico Internacional\, en Lausana\, Suiza\, desde 2014. Arcarons\, acostumbrada a exponer en Cataluña\, Francia o Italia\, llegó por primera vez a León de la mano de Angela Merayo en el verano de 2018. \nLa obra de Lourdes Fisa ha visitado galerías nacionales e internacionales de toda Europa\, Canadá\, Estados Unidos o Indonesia. En la muestra expuesta denominada “EL VIAJE”\, Fisa\, reúne una serie de obras elaboradas en técnicas mixtas de pintura\, grabado y estampación inspiradas en el movimiento\, los tránsitos y el viaje. El mismo viaje que\, como las migraciones de los pájaros\, nos traslada a Japón\, un país con presencia habitual en la Fundación Merayo. \nLa Colección Nakamura refleja la perfecta simbiosis entre el arte y la naturaleza del grabado japonés histórico. Los paisajes naturales forman parte indisoluble del arte nipón. Pájaros\, flores\, árboles o ríos nos acercan a la sensibilidad oriental. \nDel conocido artista leonés Julián Álvarez\, puede verse su pack expositivo audiovisual: “4 delicias y un autorretrato”. Álvarez\, afincado en Barcelona\, fue Director de la Escuela de Video-CineTv\, 3·D y Multimedia del IDEP de la ciudad condal. Forma parte de la primera generación española de videocreadores y su obra ha sido objeto de retrospectivas y monográficos en España y otros países. La obra audiovisual\, que podrá visionarse en El Albéitar está basada en su propia biografía en la que se reivindica como un “emigrante leonés de origen\, y barcelonés por adopción”. Su programa audiovisual se inicia con la “simbólica” pasada del tren por la estación de Veguellina de Órbigo\, de donde salió con 14 años rumbo al futuro. \nLuis Canal\, reconocido profesional de la fotografía leonesa\, docente\, socio de honor de FOCUS y Experto Universitario en Artes Visuales\, expone uno de sus últimos trabajos\, una serie fotográfica realizada en Marraketch: “Al otro lado”\, muestra toda la luz\, el color y la vida de la ciudad marroquí captadas con la belleza que sólo un experto puede aportar. Danzantes\, acróbatas\, vendedores de zumos de frutas… \nRosa Puig. La retratista catalana muestra sus preferencias por la ausencia de color en “Dolls”. Una serie fotográfica de inquietantes muñecas que nos trasladan a un isla mínima cercana a Méjico\, habitada por un sólo hombre. “Dolls” encierra la tétrica historia de protección de un hombre que muere de la misma forma que\, durante años\, pretendió evitar con sus muñecas\, sus mágicas protectoras. La nota de modernidad absoluta se muestra con \nSofía Sanz. “La Nuit à la Défense”\, su serie fotográfica\, ha sido realizada en el modernísimo distrito financiero parisino de La Défense. La cámara capta el juego de luces que se produce en este lugar a la hora del crepúsculo y su evolución a medida que avanza la oscuridad. La artista crea “tonalidades ligeramente irreales”. La joven pintora y fotógrafa\, nacida en Segovia y residente en León\, pone su gran creatividad al servicio de la ilustración digital. Algunos de sus trabajos ilustran ya portadas de libros y diversas publicaciones.
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SUMMARY:Reme Remedios. Exposición de dibujos. Galería de arte Ármaga
DESCRIPTION:Reme Remedios. Exposición de dibujos. Galería de arte Ármaga\nInauguración: Sábado 16 de febrero de 2019 a las 13:00 horas. \nDel 16 de febrero al 19 de marzo de 2019. \nCalle Alfonso V\, nº 6
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SUMMARY:Valle Martín expone su geometría universal en el hotel Eurostars León
DESCRIPTION:Valle Martín expone su geometría universal en el hotel Eurostars León\nFecha: Del 22 de febrero al 27 de abril de 2019.\nInauguración: Viernes 22 de febrero a las 20:00h.\nLugar: Eurostars Dirección: Calle Velázquez 18 24005.\nTel. 987 20 85 20. \nEl hotel Eurostars León\, acoge la exposición Entre líneas\, de la artista canaria Valle Martín; comisariada por la galerista leonesa Marta Uribarri (El Cajón del Arte). La muestra es una selección de arte analítico con una clara voluntad de explorar lo material del universo y expresarlo a través de un lenguaje geométrico. La inauguración de la exposición tendrá lugar el viernes 22 de febrero a las 20:00h. \nEntre líneas repasa la trayectoria artística de Valle Martín\, centrándose en su obra gráfica y original. La muestra contiene obra única sobre papel\, en la que partiendo de formas geométricas básicas\, la artista trabaja con la línea y el color\, pasando de las formas rectas y cerradas a las curvas y orgánicas. También hay grabados calcográficos\, donde formas orgánicas realizadas con un tejido de líneas se yuxtaponen en contraste con la geometría. \n“La temática principal de mi obra gira en torno a la luz\, la geometría y el color. El hilo conductor es la búsqueda constante de expresión con los elementos mínimos –dice Valle Martín. Me interesa trabajar en torno a la luz y geometría como reflejo de lo inmutable\, del orden que subyace en todo. Mis fuentes de inspiración se han encontrado de forma recurrente en la arquitectura y la naturaleza.” \nSu lenguaje muy personal y basado en el uso de formas geométricas simples da como resultado unas obras pulcras y precisas que se caracterizan por una refinadísima técnica y un espléndido dominio del color. Utiliza la geometría como elemento de orden\, con formas perfectamente cerradas en sus límites\, dentro de los cuales se yuxtaponen las líneas de diferentes colores. \nEntre las influencias de Valle Martín se pueden apreciar desde el minimalismo hasta el arte aborigen o los textiles indígenas de América Latina\, pero en especial el diseño gráfico suizo\, de gran minimalismo\, donde la comunicación prevalece frente a la expresión. \nLa idea de ritmo es fundamental en su trabajo\, sus estructuras formales se expanden por el lienzo\, la pulsión de los colores les aporta movimiento y resta rigor a la geometría\, resultando en composiciones dinámicas. Emplea fondos blancos sobre los que destacan las formas\, ordenadas y equilibradas. Sigue el planteamiento de menos es más\, despojando al arte de todo elemento accesorio en un intento por llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo\, universal. \nEsta forma de abstracción generalmente no está ligada a ningún tipo de asociación simbólica con la realidad pero no es el caso de esta artista\, a pesar de que las líneas y los colores son concretos por sí mismos. No es un arte espontáneo sino previsible\, entendido esto como el resultado de un arduo trabajo previo\, sin lugar para la improvisación. \nValle Martín se licenció de Bellas Artes en la Universidad de La Laguna en 1998\, y compagina sus trabajos de pintura con los de diseño gráfico y grabado. Cuando pinta se deja llevar por la pincelada\, buscando representar sensaciones en lugar de conceptos. \nEl compromiso de Eurostars Hotels con la cultura \nLa exposición de Valle Martín\, inaugurada en el Eurostars León 4*\, se enmarca en una decidida apuesta de Grupo Hotusa por ofrecer\, a través de su cadena\, todos los recursos posibles como medio de apoyo\, conocimiento y difusión de la cultura y el arte. Como parte de este compromiso\, Eurostars Hotels realiza exposiciones desde el año 2004\, que bajo el proyecto Eurostars Exposiciones acoge de forma regular exhibiciones de las obras de artistas locales o residentes en las ciudades en las que se ubican los hoteles. \nEl objetivo fundamental de esta iniciativa no es solo el de ofrecer un plus de experiencia a sus clientes\, sino también servir de plataforma de promoción y comercialización de artistas emergentes. Se trata\, en definitiva\, de una perfecta mezcla de divulgación y vínculo con el entorno local que\, proyectada tanto a nivel nacional como internacional\, representa una oportunidad única para la difusión del movimiento artístico-cultural de cada ciudad.
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SUMMARY:Vacas 2.3 Joyería rural contemporánea\, de Lucas Santiago. Centro leonés de arte.
DESCRIPTION:Vacas 2.3 Joyería rural contemporánea\, de Lucas Santiago.\nCentro leonés de arte. Av. Independencia 18. León\nInauguración: Sábado 23 de febrero de 2019 a las 12:00 horas \nVIAJE A ITACA \nLucas Santiago nace en 1967 en Tineo (Asturias)\, aspecto clave para analizar su obra. Estudia joyería y diseño desde 1985 hasta 1991 en el centro de prestigio internacional Escola Massana\, con grandes maestros como Ramón Puig Cuyás o Hans Leicht. En 1993 regresa a Tineo\, lugar de trabajo\, embrionario\, nutricional y germinador. En 2008 crea un workshow: un espacio de estudio\, análisis\, diálogo con otros artistas por medio de estancias\, y generador de energías interactivas entre el diseñador\, su obra y el público. Cuenta con una sólida trayectoria y un amplio reconocimiento; desde su primera participación en JungedGestalted (Munich1990) van casi una treintena de muestras a nivel nacional e internacional en Madrid\, Barcelona\, Amsterdam o París entre otras. \nSus creaciones se enmarcan en la joyería contemporánea o joyería de autor\, que Lucas adjetiva como rural y se sumerge en la vertiente que recupera el vínculo ancestral entre arte y joyería. Su diseño articula de forma magistral una conceptualización etnográfica intensa con una formalización artesanal de técnica primorosa\, creando obras únicas con identidad de autor. Son piezas que no hacen concesiones\, comprometidas\, rotundas y radicales que plantean problemas y reflexiones actuales\, candentes y esenciales. Caso de De colores y banderas\, en relación a la problemática de los nacionalismos radicales catalán y español que coartan las afecciones. En Lucas se fusiona vida y obra\, hecho general entre los grandes creadores; así sus piezas surgen desde un posicionamiento ético\, social\, filosófico e incluso político (en el sentido clásico de polis). La vuelta y apuesta por el medio rural como espacio matriz\, fértil\, germinador\, supone un reencuentro con la memoria primigenia\, la cultura popular y el mundo natural (hecho que le vincula con el significativo movimiento neorrural en Asturias). De su inmersión en el entorno rural surgen sus proyectos: la serie Bateas I-II\, inspirada en los buscadores de oro del rio Navelgas\, Recolectores en la cestería o Vacas. El proceso de creación parte de un planteamiento teórico sólido\, cimentado en fundamentos etnoculturales articulados con la actualidad global y su problemática. La segunda fase se concreta en anotaciones y diseños que se formalizan en el taller minuciosa y artesanalmente pieza a pieza\, generando series temáticas únicas de gran valor conceptual\, formal y estético. Los materiales son claves en su obra; así la plata noble se suele modificar con pátinas negando su esencia simbólica o es reciclada de cuberterías antiguas (en referencia a la memoria e inutilidad ante la despoblación familiar en la zona)\, componente que se articula con otros elementos pobres y humildes que aportan una intensa carga simbólica: llaves viejas de casas\, maderas de tejo\, cuerdas\, periódicos\, hierba\, cuernos\, hojas de maíz. etc. \nLa serie Vacas\, es un homenaje al animal mítico por excelencia en la cultura mediterránea y esencial en la configuración milenaria de la cultura montañesa asturiana. Aquí  Lucas crea un elocuente e impactante diálogo entre el hombre y el animal por medio de su humanización\, proyectando de este modo lo mágico-surreal\, lo sorpresivo\, lo incongruente\, la ironía o la crítica social y política en sus creaciones. La obra se convierte así en una parte esencial de vida. \nLuis García Martínez
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