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SUMMARY:'VIDA = ARTE = VIDA' Retrospectiva del Wolf Vostell. Musac
DESCRIPTION:‘VIDA = ARTE = VIDA’ Retrospectiva del Wolf Vostell. Musac\n1 de diciembre de 2018\nUna gran retrospectiva dedicada al artista de origen alemán Wolf Vostell (Leverkusen\, 1932 – Berlín\, 1998)\, uno de los exponentes del arte europeo de posguerra\, co-fundador del movimiento Fluxus. \nAl cumplirse 20 años de su muerte y 40 años de la importante exposición ‘Bilder 1959-1974’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid\, esta muestra revisa la trayectoria del artista desde los años 50 hasta 1998 a través de una selección de sus obras más emblemáticas entre instalaciones\, pinturas\, esculturas y películas\, así como una selección de su rico archivo de documentación relacionada con sus proyectos más relevantes. \nNacido en Alemania y formado como artista en ese mismo país y en Francia\, Wolf Vostell mantuvo desde finales de los años 50 una fuerte vinculación con España\, donde fundó el Museo Vostell Malpartida en 1976\, con una amplia repercusión en una España deficitaria en arte contemporáneo. Fue asimismo un artista con influencia internacional\, creador en 1954 del término Dé-coll/age\, con el que se designa la técnica opuesta al collage\, es decir\, la creación de una nueva obra arrancando o rasgando partes de la original. \nEs considerado introductor en Europa del happening -en 1958 en París- y cofundador junto a Nam June Paik y George Maciunas del movimiento Fluxus\, en el que participó activamente haciendo patente una crítica de la fetichización de la televisión y la cultura del consumo. \nCon el título de ‘VIDA = ARTE = VIDA’\, la muestra recorre la trayectoria de este artista de origen alemán\, co-fundador del movimiento Fluxus\, creador del término Dé-coll/age y fundador del Museo Vostell Malpartida en Extremadura. Con motivo de la inauguración\, el sábado 1 de diciembre a las 19:00 horas se ofrece un recorrido guiado por la muestra con su comisario\, Manuel Olveira. \nEl director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León\, Manuel Olveira y el director del Museo Vostell Malpartida\, José Antonio Agúndez\, han presentado hoy en rueda de prensa la exposición ‘VIDA = ARTE = VIDA’\, de Wolf Vostell (Leverkusen\, 1932 – Berlín\, 1998)\, que se abrirá al público el sábado 1 de diciembre de 17:00 a 21:00 horas. Al cumplirse 20 años de su muerte y 40 de la importante exposición ‘Bilder 1959-1974’ en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid\, la muestra en el MUSAC revisa la trayectoria de Vostell desde los años 50 hasta 1998\, a través de una selección de en torno a medio centenar de sus obras más emblemáticas entre instalaciones\, pinturas\, esculturas y películas\, así como documentación perteneciente al rico archivo del artista\, que podrá verse por vez primera. \nLa exposición\, que podrá visitarse hasta el 26 de mayo\, atiende a los conceptos clave sobre los que Vostell trabajó toda su carrera: la exploración de los límites del arte\, las relaciones entre arte y vida\, así como la documentación emocional e intelectual de los cambios y conflictos políticos y sociales de la época a través de estrategias artísticas entonces innovadoras como la serialidad\, el happening\, el Dé-coll/age o el uso de la innovaciones tecnológicas como el vídeo. \nEl artista afirmó: «el arte es igual a la vida\, la vida es igual al arte»\, frase con la que muestra sus principios basados en una confrontación estética con los eventos cotidianos. La exposición ‘VIDA = ARTE = VIDA’ responde a este principio esencial en la carrera de Vostell a través obras procedentes tanto del Museo Vostell Malpartida como de la Colección Fluxus Gino di Maggio\, de colecciones de instituciones públicas como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o el Patio Herreriano\, así como de prestadores privados\, algunas de las cuales se exponen por vez primera en esta muestra. \nPara el montaje en León de la obra ‘Energía’ (1973) se cuenta con la colaboración de de los dos diarios impresos de la provincia de León\, el Diario de León y la Nueva Crónica\, que el sábado 1 de diciembre publicarán en sendas inserciones la frase de Vostell «Son las cosas que no conocéis las que cambiarán vuestra vida». Los diarios se integrarán en la instalación ese mismo día. \n Con motivo de la exposición\, el 23 de febrero tendrá lugar una representación del acto final de la ópera fluxus ‘El jardín de las delicias’\, concebida por Vostell y que se ejecutó por primera vez en 1982 en el marco del Festival ‘Pro musica nova‘ en Bremen (Alemania). \n Un artista de influencia internacional con fuerte vinculación con España \nNacido en Alemania y formado como artista en ese mismo país y en Francia\, Wolf Vostell mantuvo desde finales de los años 50 una fuerte vinculación con España\, donde fundó el Museo Vostell Malpartida en 1976\, con una amplia repercusión en una España deficitaria en arte contemporáneo. Fue asimismo un artista con influencia internacional\, creador en 1954 del término Dé-coll/age\, con el que se designa la técnica opuesta al collage\, es decir\, la creación de una nueva obra arrancando o rasgando partes de la original. \nEs considerado introductor en Europa del happening -realizó el primero en 1958 en París- y cofundador junto a Nam June Paik y George Maciunas del movimiento Fluxus\, en el que participó activamente haciendo patente una crítica de la fetichización de la televisión y la cultura del consumo. \nDesde 1954\, el dé-coll/age se convierte en principio crítico y creativo de su producción artística. En 1958 produjo sus primeros dé-coll/ages con televisores y piezas de automóviles\, convirtiendo a la omnipresencia de estos objetos en la vida cotidiana en uno de los temas principales de su obra. El mismo año integró un televisor en la obra Transmigración. Sus dé-coll/ages\, por su tanto\, no se limitan a deformar\, aislar y sobre-pintar objetos\, sino que se extienden al espacio electrónico. \nDesde entonces\, continuó experimentando con collages\, imágenes  extraídas de la iconoesfera\, happenings\, dibujos\, vídeos y muchos otros medios artísticos. Desde 1969\, Vostell realiza numerosos betonnages\, constituyendo el hormigón una metáfora de opresión y bloqueo. \nLas propuestas de Vostell se enfrentan a la anestesia y la indiferencia de la sociedad y generan un discurso emocional e intelectual sobre muchos temas del panorama cultural y político internacional del momento. Su trabajo critica directamente el sistema político\, los desastres de la guerra\, la codicia del capitalismo tardío\, la opresión de las ideologías hegemónicas o el consumismo\, la influencia de los medios de comunicación\, la representación de la sexualidad o el tabú y el tratamiento que reciben grupos marginados en nuestra sociedad caracterizada por la manipulación mediática\, la sobreexcitación del consumo o la homogeneización del gusto cultural. Por ello\, su obra sobrepasa las esferas convencionales del arte y llega hasta el espacio público y la vida en general. \n VIDA = ARTE = VIDA. La exposición \nA excepción de las exposiciones temáticas que significativamente han realizado el Museo Vostell Malpartida y el Gobierno de Extremadura\, la última gran retrospectiva dedicada a Wolf Vostell en una institución de nuestro país tuvo lugar hace ahora 40 años\, en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Con la muestra ‘VIDA = ARTE = VIDA»\, el MUSAC pretende cubrir esta laguna de casi medio siglo para dar a conocer una obra que ha inspirado a generaciones de creadores e historiadores. \nLa exposición está organizada cronológicamente\, con el objetivo de ofrecer una visión exhaustiva de toda su trayectoria. El recorrido comienza con una de sus obras capitales\, ‘Transmigración III’ (1958)\, en la que por primera vez incorporó un televisor en sus trabajos; y continúa con algunas de sus conocidas propuestas de Dé-coll/age\, tales como ‘Orero 8’ (1961)\, proveniente del Museo Patio Herrariano\, la gran instalación ‘6 TV Dé-Coll/age’ (1963)\, prestada por el MNCARS; ‘Energía’ (1973)\, prestada por el MVM o ‘Sinfonía para 40 aspiradores’ (1976)\, prestada por la familia del artista. \nTambién están presentes algunas obras de sus series o ciclos más conocidos como ‘El muerto que tiene sed’ (1978)\, el ciclo ‘España’ (1985-86) o ‘El entierro de la sardina’ (1985-86)\, junto a cuadros escasamente exhibidos por sus grandes dimensiones como ‘La caída del muro de Berlín’ (1990) o ‘9 de noviembre’ (1989). En uno de los patios del museo puede verse la obra ‘130 Km/h’ (1963)\, que presenta el vehículo original que fue arrollado por una locomotora en el marco de una de la acciones del happening ‘Nein-9-dé-coll/agen’ (1963). \nAdemás\, esta exposición presenta por primera vez el archivo Vostell en su totalidad\, a través del que podemos acceder a propuestas como hormigonamientos o esculturas para el espacio público. \nCon esta extensa exposición se pretende dar a conocer la obra de un artista fundamental para entender las propuestas más arriesgadas e innovadoras de los años sesenta que suponen los fundamentos de muchas de las prácticas del arte actual. \nInformación práctica \nTítulo de la exposición: VIDA = ARTE = VIDA \nArtista: Wolf Vostell (Leverkusen\, Alemania\, 1932 – Berlín\, Alemania\, 1998) \nComisariado: Manuel Olveira \nLugar: MUSAC. Salas 1 y 2 \nFechas: 1 de diciembre de 2018 – 26 de mayo de 2019 \nInauguración: Sábado 1 de diciembre\, 17:00 – 21:00 h. Entrada gratuita sábado 1 y domingo 2 de diciembre. \nActividades en relación a la exposición \n– Visita inaugural con el comisario de la muestra\, Manuel Olveira. Sábado 1 de diciembre de 2018\, 19:00 h. Actividad gratuita hasta completar el aforo. \n– Ópera Fluxus El jardín de las delicias\, de Wolf Vostell (acto final). Sábado 23 de febrero de 2019\,19:00 horas. Actividad gratuita hasta completar el aforo. \nHorario de apertura: Martes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h. / Sábados\, domingos y festivos de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h. Lunes cerrado por descanso
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SUMMARY:'Aquí eran los ojos los que hablaban' Fundación Cerezales Antonino y Cinia
DESCRIPTION:‘Aquí eran los ojos los que hablaban’ Fundación Cerezales Antonino y Cinia\nFina Miralles y Rita Ponce de León.\nDel 2 de diciembre de 2018 a las 12:00 horas\nHasta el 31 de marzo de 2019 \nEn un capítulo del pequeño libro Testament Vital de Fina Miralles (Sabadell\, 1950)\, la artista recuerda su paso por distintos lugares de Latinoamérica\, donde entra en contacto con los pueblos indígenas de la región. “Aquí eran los ojos los que hablaban\, y no las palabras… nos entendíamos con el sentimiento y la mirada”\, apunta entonces en su cuaderno. \nEsta frase nos sirve ahora de título y contexto para este proyecto curatorial que pone en diálogo la práctica artística de Fina Miralles con la de Rita Ponce de León (Lima\, 1982). El trabajo de ambas artistas\, aunque alejado generacional y geográficamente\, se acerca extraordinariamente en su esencia. Fuertemente anclado a la tierra\, a la vida\, a lo matérico\, a creencias y rituales ancestrales que conforman un potente lenguaje simbólico\, sus dibujos\, acciones\, encuentros o instalaciones conforman una particular visión de la relación de lo humano con la naturaleza. Alejándonos de los dualismos establecidos por la modernidad occidental\, sus proyectos conectan con algunas corrientes filosóficas y de pensamiento que tratan de propiciar un nuevo enfoque en nuestros días\, rescatando distintos saberes que parecen diluirse en la uniformidad global. Si en este mundo híper-conectado\, líquido y veloz una vuelta a cierta esencia es necesaria\, los trabajos en esta exposición articulan un diálogo sincero entre ellos y con el entorno atendiendo a lo muy cercano\, creando conexiones sensibles y conformando un lenguaje poético a partir de un estrecho diálogo con la tierra y una intensa presencia del ser. \nComisario: Juan Canela
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SUMMARY:Nicolás Muller. Exposición fotográfica en el Instituto leonés de cultura.
DESCRIPTION:Nicolás Muller. Exposición fotográfica en el Instituto leonés de cultura.\nInauguración: 22 de diciembre de 2018 a las 13:00 horas.\nHasta el 24 de febrero de 2019 \nNicolás Muller\, nacido Müller Miklós (Orosháza\, Imperio austrohúngaro\, 1913 – Llanes\, España\, 2000) fue un fotógrafo húngaro nacionalizado español\, especializado en fotografías de carácter documental.
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SUMMARY:Exposición IV certamen de fotografía urbana contemporánea leonesa. Museo de León
DESCRIPTION:Exposición IV certamen de fotografía urbana contemporánea leonesa. Museo de León\nViernes 11 de enero\, a las 18 horas.\nHasta el 3 de marzo de 2019\nMuseo de León \nEl primer premio recayó en la instantánea ‘Vigilados’ del autor el leonés Javier Cañizares Gil. El segundo premio fue para M Carmen Verde Arias por su imagen ‘Espacios ensamblados’ y el tercer premio recayó en la fotografía sin título de Isabel Muñiz Santos. El jurado de esta cuarta edición también ha contemplado dos menciones especiales para las obras ‘La Bella’\, de Pablo García García\,( Pablo Je Je) y ‘La ventana discreta’\, de Maria Jesus Gonzalez Garcia \n\nLas fotografías premiadas serán expuestas a partir del viernes 11 enero 2019 a las 18:00 horas en el Museo de León junto con una amplia selección de las 396 obras presentadas en esta cuarta edición y la muestra ’10 ciudades (y 20 impresiones) \, del ganador del año pasado\, Santi A. Sagredo\, que ha sido producida por la Cámara de la Propiedad Urbana de Leon y Centro de Negocios Independencia como parte del primer premio. La exposición permanecerá abierta al público hasta el próximo 3 de marzo. \nExposición IV certamen de fotografía urbana contemporánea leonesa. Museo de León\n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n\n\n 
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SUMMARY:'No me vengas con cuentos' Exposición fotográfica. Colectivo Diafragma. Palacio de Don Gutierre. León
DESCRIPTION:‘No me vengas con cuentos’ Exposición fotográfica. Colectivo Diafragma. Palacio de Don Gutierre. León \nEl colectivo de fotografía «Diafragma León» inaugura una exposición este Jueves 17 de enero de 2019 a las 20:00h en el PALACIO DON GUTIERRE. \nEnmarcada dentro del ciclo ‘INTERVENCIONES EN EL PALACIO DON GUTIERRE 2019’\, recibe el nombre de “No me vengas con cuentos». \nSe trata de una colección de 20 imágenes en la que sus autores muestran una visión muy particular y personal de uno de los cuentos infantiles más populares de la tradición mundial. \nLa muestra podrá visitarse desde el 17 de enero hasta el 29 de marzo de 2019 en el Palacio Don Gutierre\, de lunes a viernes\, en horario de 9.00 a 21.00 horas.
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SUMMARY:El Giro Notacional\, Soliloquium y Open Environmental Kit. MUSAC
DESCRIPTION:El Giro Notacional\, Soliloquium y Open Environmental Kit. MUSAC\nSábado 26 de enero de 17:00 a 21:00 horas se inauguran tres nuevas exposiciones: \n– El giro notacional\n26 de enero – 15 de septiembre \n– Miguel Ángel Rego. Soliloquium\n26 de enero – 26 de mayo \n– María Castellanos y Alberto Valverde. Open Environmental Kit\nConvocatoria Laboratorio 987\n26 de enero – 26 de mayo \nCon motivo de la inauguración\, la entrada al museo será gratuita los días 26 y 27 de enero. \nPROGRAMA INAUGURAL \nSábado 26 de enero\n\n– 18:00 h. Visita guiada a la exposición Soliloquium con Miguel Ángel Rego\, artista\, y Montserrat Rodríguez Garzo\, comisaria. \n– 19:00 h. Visita guiada a la exposición El giro notacional con José Iges y Manuel Olveira\, comisarios. \n– 20:00 h. Visita a guiada al proyecto Open Environmental Kit con María Castellanos y Alberto Valverde\, autores. \nDomingo 27 de enero \n– 12:30 h. Visita guiada a la exposición El giro notacional con José Iges y Manuel Olveira\, comisarios. \n– 13:30 h. Performance Transbordo espacial (música paseada)\, de Pelayo Fernández Arrizabalaga. En el marco de la exposición El giro notacional. \nSobre El giro notacional \nEntendemos por notación —el gesto o el hecho de anotar— un sistema de signos convencionales que se adopta para expresar conceptos matemáticos\, físicos\, musicales\, etcétera. Si de esta definición extraemos la palabra “convencional”\, la forma de entender la notación se extiende más allá de los lenguajes formales\, hasta sumergirnos en territorios artísticos donde todo puede ser inestable\, frágil y abierto\, para hacer que todo sistema comunicativo se abra y se adapte a la visión del creador. \nSon estos lenguajes los que trata de pulsar y dar visibilidad este proyecto comisariado por José Iges y Manuel Olveira y que reúne 115 obras de en torno a 70 autores nacionales e internacionales. Las obras presentes en la exposición muestran una serie de prácticas creativas que permiten codificar formas para “escribir”\, representar e indicar lenguajes que traducen la realidad\, traducen lenguajes entre sí o permiten descodificarlos e interpretarlos. Son\, pues\, “herramientas” para representar\, traducir y codificar territorios de todo tipo: físicos\, geográficos\, mentales\, emocionales\, sociales\, conceptuales\, lingüísticos\, etc. que se articulan como modos de representación y de expresión de sonidos\, movimientos\, espacios… pero con un giro que los aleja de la mera notación convencional. \nPara dar cuenta de la complejidad del uso creativo de la notación\, la exposición se organiza en torno a cinco temas genéricos: las notaciones relacionadas con lo musical y lo sonoro\, las notaciones cinéticas del movimiento\, las notaciones cartográficas y espaciales\, las notaciones del cálculo y la ciencia y\, por último\, las notaciones del pensamiento. \nSobre ‘Soliloquium’ \n‘Soliloquium’ es un proyecto artístico de Miguel Ángel Rego (Madrid\, 1985) con el acompañamiento teórico de Montserrat Rodríguez Garzo\, que incide en la relación entre arte\, ciencia\, economía y otras producciones culturales. \nEl trabajo se desarrolla en torno a la incidencia actual en el pensamiento artístico y científico de dos textos decisivos en la literatura científica de finales del siglo XIX: ‘Textura del sistema nervioso del hombre y de los vertebrados’\, de Santiago Ramón y Cajal\, y ‘Proyecto de una psicología para neurólogos’\, de Sigmund Freud\, escritos que representan la modificación del pensamiento científico contemporáneo y el fundamento de una nueva discursividad. \nSobre ‘Open Environmental Kit’ \n‘Open Environmental Kit’ es un proyecto colaborativo de ciencia ciudadana puesto en marcha por María Castellanos (Gijón\, 1985) y Alberto Valverde (Madrid\, 1967) y seleccionado por la Convocatoria Laboratorio 987 de ayudas a la producción del arte y la cultura. \nRealizado en código abierto\, el objetivo principal de la propuesta es contribuir al uso crítico de la tecnología poniendo a disposición de la ciudadanía el conocimiento y recursos necesarios para la creación de kits medioambientales vestibles -conocidos en inglés como wearables- que permiten medir variables medioambientales comocantidad de polvo en el ambiente\, temperatura\, radiación ultravioleta\, radiación infrarroja\, cantidad de ruido\, monóxido de carbono\, presión atmosférica\, humedad\, etc. \nLa información acerca del proceso\, materiales y código necesarios para replicar estos kits estará disponible en la web www.environmentalkit.org y para la creación de los dispositivos se utilizarán plataformas de software abierto y herramientas DIY (hazlo tú mismo) de bajo coste. De este modo\, las personas podrán tener acceso a la información medioambiental de una forma directa. \nInformación práctica \nEl giro notacional \nArtistas: Francesc Abad\, Ignasi Aballí\, José Luis Alexanco\, Alain Arias-Misson\, Armadanzas (Paz Brozas\, Víctor Martínez)\, Elena Asins\, Manuel Barbadillo\, Llorenç Barber\, Cristina Barroso\, Ricardo Bellés /José Iges\, Cathy Berberian\, Josep Lluis Berenguer\, José Manuel Berenguer\, Denys Blacker\, Jaap Blonk\, Peter Bosch / Simone Simons\, John Cage\, Cornelius Cardew\, José Luis Castillejo\, Merce Cunningham\, Darío Corbeira\, Analivia Cordeiro\, Philip Corner\, Carlos Cruz de Castro\, Maria Escribano\, Pelayo Fernández Arrizabalaga\, Esther Ferrer\, Giovanni Fontana\, Terry Fox\, Laura Gibellini\, Yolande Harris\, Barbara Held / Benton C. Bainbridge\, Joël Hubaut\, Concha Jerez\, Tom Johnson\, Manuel Jular\, Mauricio Kagel\, Nader Koochaki\, Elena Lavellés\, Le Corbusier\, Lugan\, José Maldonado\, Walter Marchetti\, Abel Martín\, Josep Maria Mestres Quadreny\, Julie Mehretu\, Phill Niblock\, Pauline Oliveros\, Luis de Pablo\, Tatiana Parcero\, George Perec\, Ximena Pérez Grobet\, Miguel Ángel Rego\, Inken Reinert\, La Ribot\, Alyce Santoro\, Eusebio Sempere\, Álvaro Terrones\, Valcárcel Medina\, Jesús Villa Rojo\, Christian Wolff\, Iannis Xenakis\, Zaj. \n26 de enero – 15 de septiembre 2019 \nComisariado: José Iges y Manuel Olveira\nMUSAC. Salas 4 y 5 \nSoliloquium \nArtista: Miguel Ángel Rego (Madrid\, 1985) \n26 de enero – 26 de mayo\, 2019 \nComisariado: Montserrat Rodríguez Garzo \nMUSAC. Laboratorio 987 \nOpen Environmental Kit \nAutores: María Castellanos (Gijón\, 1985) y Alberto Valverde (Madrid\, 1967) \nConvocatoria Laboratorio 987 \n26 enero – 26 de mayo 2019 \nMUSAC. Proyecto Vitrinas
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SUMMARY:'Mujeres en conflicto' Exposición de fotografía de JM López. Museo de León
DESCRIPTION:‘Mujeres en conflicto’ Exposición de fotografía de JM López. Museo de León \nMUJERES EN CONFLICTO\nEl proyecto hace un recorrido por una parte de los conflictos armados que existen en la actualidad\, teniendo a las mujeres como hilo argumental. El sufrimiento que las guerras provocan en la población civil alcanza por igual a todos sus habitantes sin distinción de sexo o edad. Sin embargo\, esta exposición quiere tener a las mujeres como protagonistas.\nLas imágenes muestran a madres que han perdido a sus hijos o\, lo que es peor\, continúan desaparecidos; amas de casa que han visto sus hogares destruidos\, quemados y saqueados; jóvenes que padecen estrés post traumático\, y difícilmente van a poder recuperar la salud mental; poblaciones discriminadas por ser indígenas y condenadas a la pobreza y la exclusión social; adolescentes vendidas como esclavas sexuales y víctimas de la violación como arma de guerra; chicas obligadas a vestir siguiendo los códigos dictados por la religión; o mujeres que decidieron tomar partido como combatientes por alguno de los bandos.\nUn viaje a 16 países que continúan en guerra\, o todavía están sufriendo las consecuencias que éstas provocan ya que\, en muchas ocasiones\, los conflictos bélicos no terminan cuando cesan los enfrentamientos\, o con la firma de un tratado de paz. Desgraciadamente\, se extienden en el tiempo durante muchos años más\, afectado a la población civil.\nA todas las mujeres que sufren violencia\, acoso o discriminación solo por el hecho de serlo.
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SUMMARY:“Recetario para una tragedia” de Luís Melón Arroyo. Galería Espacio_E
DESCRIPTION:“Recetario para una tragedia” de Luís Melón Arroyo. Galería Espacio_E\nViernes 1 de febrero a las 20\,00\nHasta el 24 de febrero de 2019 \nRecetario para una tragedia es un trabajo de investigación «artística culinaria» que se cimienta en cuatro pilares básicos: la investigación\, la gastronomía\, la obra plástica y el libro de artista. \nEl artista toma como punto de partida la reflexión de Ferrán Adriá recogida en los mandamientos de «El Bulli»\, un manifiesto de la cocina contemporánea\, haciendo hincapié en el primer punto del mismo: «La cocina es un lenguaje mediante el cual se puede expresar armonía\, creatividad\, felicidad\, belleza\, poesía\, complejidad\, magia\, humor\, provocación». \nRecetario para una tragedia es un recorrido en el tiempo que\, aglutinando hitos\, recetas\, obra plástica y performance\, crea un hilo narrativo de una época oscura del siglo XX en España y plantea una reflexión sobre la Guerra Civil\, el franquismo\, la Transición y la sociedad española. \nPodemos hablar de un compendio diferentes recetas gastronómicas más o menos realistas\, pues\, así como algunas son recetas reales\, como las lenguas de gato o la tortilla de patata sin huevo y sin patata\, otras han sido modificadas bien para darles un contenido crítico\, como la leche frita\, o bien para adaptarlas a los gustos actuales como es el caso de los nuggets de rata. \nEste recorrido gastronómico nos lleva por diferentes episodios que empiezan con una última cena de la generación del 27 en el año 1936 y la Guerra Civil\, terminando\, por ahora\, en el año 1977 con la Matanza de Atocha justo antes de la llegada de la democracia. \nTodos los capítulos de este compendio gastronómico se estructuran de la siguiente forma: Una receta creada\, rescatada o trasformada del recetario popular\, un cartel sobre la misma\, un texto explicativo y ocasionalmente una performance culinaria. Así cada receta funciona de manera individual como pieza artística\, y en conjunto a modo de recetario o libro de artista. \nLas recetas en orden cronológico que están producidas hasta el momento son: \nAño 1936: La última cena de la generación del 27\, Coctel Croquetelon. Fue un coctel creado por Pablo Neruda\, con él se pretende reflexionar sobre las tensiones previas a la Guerra Civil en la sociedad española. \nAño 1939: Aperitivo de mondas de patatas para un bombardeo. Partiendo de un poema autobiográfico de Gloria Fuertes titulado «Receta de Cocina para los días de hambre»\, habla de los bombardeos de las ciudades y la población civil como objetivo militar. \nAño 1939 a 1975: \nTortilla fusilada. Propone cocinar con setas recogidas de fosas de la Guerra Civil para reflexionar sobre las ejecuciones\, la pena de muerte y las fosas comunes de la vergüenza. \nAño 1940: \nLeguas de gato para Miguel «Gila». Partiendo de la biografía del cómico Miguel Gila\, en la que narra como estando recluido en un campo de concentración tuvo que recurrir a alimentarse de gato\, denuncia la tragedia de los campos de trabajo y concentración. \nAño 1942: \nCaramelos de cebolla par el hijo de Miguel Hernández. Esta receta surge como un homenaje a las Nanas de la Cebolla\, habla de las cárceles del franquismo y el hambre de los perdedores. \nAño 1943 al 1960: \nTortilla de Patata sin patata y sin huevo. La creación de platos con limitados recursos para satisfacer el hambre de la familia recae en las mujeres y amas de casa. \nAño 1947- 1950: \nSopa de Trigo Perón. Evita Perón da apellido a esta sopa\, por la ayuda recibida de Argentina en un momento en que España no puede alimentar a sus ciudadanos con sus recursos. \nAño 1950 a 1965: \nSalmon dictador: Franco es un súper hombre\, el que más pesca\, el que más caza\, esta receta es un guiño a la leyenda de los buzos que le ponían las piezas en el anzuelo. Habla de la publicidad del régimen sobre la figura del caudillo. \nAño 1950 a 1985: \nLeche frita para un desconsuelo. Elaborada con leche materna y lágrimas. Denuncia el robo de bebés con la complicidad de la iglesia\, los cuadros de mando franquistas\, y sus médicos afines\, una de las historias más turbias y aterradoras del franquismo. \nAño 1962: \nNuggets de rata para un pueblo de Castilla. Partiendo de la obra de Miguel Delibes\, habla de la realidad del mundo del campo en el franquismo. Los analfabetos\, el latifundismo y de nuevo la pobreza. \nAño 1974: \nBizcocho borracho para el verdugo de Salvador Puig Antich. Una denuncia sobre la pena de muerte\, los últimos estertores de la dictadura\, la maquinaria de represión\, las luces y las sombras. \nAño 1976: \nJarabe de Palo\, un coctel para una tarde de 1976. Habla sobre las huelgas obreras y estudiantiles\, las manifestaciones y la represión policial. \nAño 1977: \nPollo al curry de Carmena para los que no vieron la democracia. El terrorismo de ultraderecha\, el terror contra la libertad\, esta receta de la actual alcaldesa de Madrid se trata aquí como un homenaje a sus compañeros asesinados en Atocha.
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SUMMARY:Exposición 'Trazos y Formas' Asociación de pintores del Bierzo\, en el Auditorio
DESCRIPTION:Exposición ‘Trazos y Formas’ Asociación de pintores del Bierzo\, en el Auditorio\nDel 7 al 27 de febrero de 2019.\nHORARIO: De lunes a viernes de 12:00 a 14:00 h y de 18:00 a 21:00 h.\nSábados de 12:00 a 14:00. Domingos y festivos cerrado. \nEscultura\, pintura al óleo\, acrílica\, pastel\, acuarela e ilustración. Esto es lo que el visitante encontrará en la exposición “Trazos y formas” de la Asociación de Pintores y Escultores de El Bierzo\, que albergará la Sala de Exposiciones del Auditorio Ciudad de León durante este mes de febrero y\, donde se reúne una muestra colectiva de 13 pintores y 2 escultores de largo recorrido artístico vinculados a la comarca de El Bierzo\, pertenecientes a la Asociación.\nEsta muestra interdisciplinar e intergeneracional\, tiene como objetivo dar a conocer el trabajo de la Asociación (talleres\, cursos\, convivencias\,…) y los excelentes artistas que alberga. También tiende la mano a todo artista profesional o aficionado que quiera unirse a esta gran familia de casi ya 20 años\, pues esta Asociación de Artistas\, es la más antigua de la provincia\, ya que nació en Ponferrada en el año 2000.\nCumpliendo con sus objetivos de educación y difusión del arte\, este grupo artístico no sólo realiza exposiciones y colabora en la organización de concursos de pintura\, sino que organiza cursos artísticos impartidos por docentes o profesionales en el campo del arte\, que ponen sus conocimientos y trucos a disposición de los socios\, como en el último WorkShop de Pintura con Miguel Coronado\, el pasado mayo del 2018.\nEl conjunto de obras que presenta esta nueva muestra\, no dejarán indiferente al espectador\, en parte debido a la amplia variedad de estilos y técnicas que nos muestran los siguientes artistas: Roberto Sanz García\, Jacinto Armijo\, Cristina López Gaztelumendi\, Raquel Gurdiel\, Jose Manuel Gómez Lorenzo\, Eva Mª de Paz\, Louis Firrios\, Gel Martínez\, José Ignacio Guarido\, Tono Barjas\, Enrique Sánchez\, Encina Campo\, Pilar White\, Isabel Aguirre y Julián Pérez Arranz.
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SUMMARY:Exposición de pintura de Javier Ortas. Sala de arte Bernesga
DESCRIPTION:Exposición de pintura de Javier Ortas. Sala de arte Bernesga\nViernes 8 de febrero\, hasta 27 de febrero de 2019 \nJavier Ortas no utiliza modelos ni referencias visuales para sus trabajos pictóricos. Ante el lienzo en blanco\, compone mentalmente escenas y personajes que luego plasma con su colorista e inconfundible estilo personal.\n\nEl artista madrileño ha participado en más de medio centenar de exposiciones en la última década\, individuales y colectivas\, tanto dentro como fuera de España.\n\nLa exposición podrá visitarse desde este Viernes\, 8 de Febrero\, hasta el día 27\, de Lunes a Viernes\, de 12:00 a 13:30h y de 18:00 a 21:00h; Sábados de 12:00 a 14:00h.
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SUMMARY:'Cuando León duerme' Exposición fotográfica de Buhos León. Biblioteca Pública de León
DESCRIPTION:‘Cuando León duerme’ Exposición fotográfica de Buhos León.\nBiblioteca Pública de León. C/ Santa Nonia\, 5\nDel 8 al 28 de febrero de 2019.\nInauguración: 8 de febrero a las 19:00 horas \nHorario de visitas\nDe lunes a viernes de 19 a 21 horas\nSábados de 11’30 a 13’30 horas \nMirar las estrellas es mirar al pasado\, pero Buhos León no se detiene\, siempre buscamos nuevas luces en los cielos nocturnos. Y un año despues ponemos en marcha nuestra segunda exposición de fotografía nocturna la cual tenemos el placer de invitaros a contemplar.\nCompuesta por 28 fotografías exhibe obras de 14 de nuestros miembros en una muestra que en esta ocasión tiene como temática unificadora la provincia de León.\nRecorriendo sus noches y deteniendonos en sus sus sombras hemos buscado escenarios inéditos\, situaciones que pasan desapercibidas cuando la mayoría duerme y que nosotros inmortalizamos para vosotros. \nColectivo Búhos León Fotografía Nocturna \nEl colectivo Búhos León Fotografía Nocturna nació hace dos años compuesto por varios fotógrafos que comparten una misma inquietud\, la fotografía con poca o ninguna luz\, la fotografía a la luz de la luna y de las estrellas. Este tipo de fotografía hace que el compañerismo sea obligatorio\, tanto para ayudar a componer o iluminar una captura\, como a la hora de ir a algún lugar apartado o peligroso. Cuando proponemos una ubicación para hacer una salida fotográfica solemos compartir el trabajo necesario\, empezando por la correcta ubicación del lugar\, el estudio previo para poder acceder o localizar el mejor punto para poner nuestra cámara\, buscar las mejores fechas para hacer la fotografía\, etc. Esperamos que disfrutéis de esta colección de fotografías y que os animéis a preguntar cualquier duda que os surja al verlas.
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SUMMARY:'Raíces' Exposición fotográfica sobre antruejos de León. marc GreenBase y Carmen Coque. Fundación Vela Zanetti.
DESCRIPTION:‘Raíces’ Exposición fotográfica sobre antruejos de León.\nmarc GreenBase y Carmen Coque. Fundación Vela Zanetti.\nInauguración: Vienes 8 de febrero a las 20:00 horas\nDel 8 al 27 de febrero de 2019\n«Raíces es un proyecto que nace en torno a un café y a una charla de sobremesa entre amigos. La gran influencia que ha ejercido sobre nuestra formación como fotógrafos el trabajo de la gran Cristina García Rodero\, con su “España Oculta”\, nos inspiró para acometer algo parecido en nuestra tierra. Tratar de conservar en el tiempo todos aquellos aspectos que tengan que ver con nuestras raíces leonesas\, desde las tradiciones populares y folclore\, como hizo ya en su día Cristina\, hasta esas profesiones antiguas a punto de desaparecer\, abarcando también nuestras tradiciones culinarias o todo lo que tenga que ver con nuestra esencia. Al ser inabarcable en una única exposición se ha concebido como un proyecto abierto\, en el que continuaremos trabajando en los próximos años y que se materializará\, de momento\, en forma de exposiciones. \nEn esta primera muestra hemos querido poner el foco sobre los antruejos\, concretamente los que se llevan a cabo en la zona de Carrizo de la Ribera\, Llamas de la Ribera y Velilla de la Reina. El papel que juega la fotografía como instrumento de la memoria colectiva es de vital importancia. De hecho\, el arduo trabajo que han llevado a cabo las asociaciones culturales de los distintos ayuntamientos para la recuperación y conservación de sus tradiciones ha sido posible\, no solo a los testimonios de nuestros mayores\, sino también a las antiguas fotografías conservadas. Por eso queremos contribuir\, con nuestro pequeño grano de arena\, a esa memoria colectiva que alimenta nuestras raíces.» \nFundación Vela Zanetti.\nCalle Pablo Flórez s/n 24003 León.\nHorario:\nDe martes a sábado: de 10:00 a 13:00 h y de 17:00 a 20:00 h\nDomingos\, lunes y festivos cerrado
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LOCATION:Fundación Vela Zanetti\, Calle Pablo Flórez\, León\, León\, 24003\, España
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SUMMARY:MUSAC inaugura la primera exposición individual en España de Channa Horwitz
DESCRIPTION:MUSAC inaugura la primera exposición individual en España de Channa Horwitz\nSábado 9 de febrero de 17:00 a 21:00 horas.\nHasta el 26 de mayo\nSe trata de la primera muestra individual en España dedicada a Channa Horwitz (Los Ángeles\, EE.UU.\, 1932 – 2013)\, artista que produjo un cuerpo de trabajo de marcada independencia que se expresa en ciclos de obras y notaciones que son al mismo tiempo conceptualmente rigurosas y visualmente sofisticadas\, en su mayoría en forma de dibujos que siguen las mismas reglas básicas y que describen la realidad a través de la abstracción. \nLa exposición\, que podrá visitarse hasta el 26 de mayo\, reúne en torno a 60 piezas pertenecientes a los principales grupos de obras producidos por Horwitz desde principios de los años 60 hasta su muerte en 2013\, y muestra cómo la artista transpuso sus sistemas de signos a géneros como la pintura\, la escultura\, la instalación y la performance. El proyecto\, comisariado por Ellen Blumenstein\, se centra\, además de otras obras\,  en tres series clave: ‘Language Series’ (1964/2003-11)\, ‘Sonakinatography’ (1968-2011) y su periodo creativo tardío (después de 1980). \nAdemás\, con motivo de la exposición en MUSAC\, el dibujo ‘Mural Proposal for Ovitz’ (2011) será presentado a gran escala por primera vez en la historia\, constituyendo una de las escasas ocasiones en las que los murales e instalaciones de gran formato concebidos por Channa Horwitz han sido llevados a cabo\, pese a ser una artista que en los últimos años de su vida adquirió un reconocimiento internacional que le llevó a participar en exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Raven Row (Londres)\, Kunst-Werke Institute for Contemporary Art (Berlín)\, Kunsthalle Wien (Viena)\, Whitney Museum of American Art (Nueva York) o el MoMA (Nueva York)\, que también tiene obra de la artista en su colección. Su obra ha podido verse asimismo en importantes acontecimientos artísticos como la Bienal de Venecia (2014) o la Bienal de Whitney (2014). \nUn sistema de reglas para representar el tiempo y el movimiento  \nCon su práctica artística Horwitz se propuso crear\, en sus propias palabras\, “un mundo aparte de ritmo visual” que fuera igualmente válido en todas las formas de arte. Su interés principal era abordar el espacio y el tiempo como una unidad indivisible\, un tema que parece cada vez más actual dada la creciente relevancia de lo virtual. La práctica artística de Horwitz se desarrolló a partir de un reducido número de reglas: basó todo su trabajo en los números uno al ocho -a menudo implementando un código de color para cada número-\, y usó este sistema para representar el tiempo y el movimiento. \nLa exposición comienza presentando los principios básicos de las tres series que articulan el proyecto y cómo fueron aplicados a través de elaboraciones cada vez más complejas. Tanto en sus notaciones compuestas en papel milimetrado estándar\, como cuando desarrolla un lenguaje abstracto que se materializa en forma de círculos negros y rectángulos en una cuadrícula naranja\, Horwitz juega con las posibles variaciones visuales en el plano pictórico\, en el espacio y en el tiempo. \nLa artista realizó su primera serie ‘Language series’ en 1964. Los pictogramas negros que consisten en cuadrados y rectángulos sobre un fondo de color naranja\, y que combinó con círculos en una segunda variación\, podían construirse de acuerdo con reglas predefinidas dando lugar a ciento veinte posibles variaciones. Horwitz plasmó visualmente la estructura básica y la matriz de referencia en dos grandes paneles —’Language Series I y II’\, ambas del periodo 1964-2004— realizando secuencias de imágenes individuales o bloques en paralelo\, en su totalidad y en parte\, variando al mismo tiempo las dimensiones de los dibujos. \nA continuación\, Horwitz desarrolló el principio básico de ‘Sonakinatography’ – neologismo inventado por la artista y compuesto por las palabras griegas para sonido (sona)\, movimiento (kinéō) y notación (graphia)- \, comprimiendo un compás de ocho campos en uno para facilitar la realización de notaciones más complejas. Para las veintitrés composiciones diferentes de ‘Sonakinatography’\, eso se tradujo en una combinación programática del plano de la imagen con el movimiento o el sonido en el espacio. Horwitz añadió una cuarta dimensión\, que indicaba el cambio a lo largo del tiempo. Las principales obras realizadas por Horwitz en la década de 1970 fueron variaciones de la ‘Sonakinatography Composition III’\, que fue adaptada para ser ejecutada como espectáculo lírico\, de danza y sonido. En esta exposición se muestra una variación de prácticamente todas las composiciones completas de ‘Sonakinatography’. \nAunque la exposición incluye obras de series como ‘Flowings’\, ‘Moire’ o ‘Canon’ muy importantes del trabajo de la artista californiana\, ‘Language Series’ y ‘Sonakinatography’ son especialmente significativas dentro de la obra de Horwitz. No solo se encuentran entre los primeros grupos de obras\, de las que se derivaron todos los trabajos posteriores\, sino que\, además\, la artista continuó trabajando y desarrollando estas dos series de forma intermitente a lo largo de toda su carrera. En sus años de madurez\, Horwitz animó además a los artistas más jóvenes a producir nuevas interpretaciones musicales y coreográficas de sus primeras composiciones de la serie ‘Sonakinatography’. \nArtes en vivo en relación con la exposiciónLas composiciones de ‘sonakinatography’ se han llevado a cabo de diversas ocasiones a través de percusión\, danza\, palabras habladas\, luces e instrumentos electrónicos. Es por ello que\, como actividad para profundizar en los conceptos abordados por Channa Horwitz a lo largo de su trayectoria\,  diversos artistas relacionados con el sonido y el movimiento dialogarán con las obras de Horwitz a partir del martes 12 de febrero y hasta la clausura de la muestra el domingo 26 de mayo\, empleando el trabajo de la artista como inspirador para crear composiciones de danza\, performance\, música\, etc. Las actividades se iniciarán el martes 12 de febrero a las 19:00 h. con una propuesta del actor Manuel AO\, seguido de Ángel Zotes (martes 19 de marzo); Pablo Parra (martes 2 de abril); Alba Gonzalez (martes 30 de abril) y Javier Iriso (domingo 26 de mayo). \nInformación práctica \nTítulo de la exposición: El factor ocho \nArtista: Channa Horwitz (Los Ángeles\, EE.UU. 1932 – 2013) \nComisariado: Ellen Blumenstein \nLugar: MUSAC. Sala 3 \nFechas: 9 de febrero – 26 de mayo de 2019 \nInauguración: Sábado 9 de febrero\, 17:00 – 21:00 h. \nActividades en relación al proyecto: \n– Visita inaugural a la exposición con Ellen Blumenstein\, comisaria. \nSábado 9 de febrero\, 19:00 h. \n– A vueltas con el factor ocho. Artes en vivo en diálogo con la obra de Channa Horwitz.\nMartes 12 de febrero\, 19 de marzo\, 2 de abril\, 30 de abril y domingo 26 de mayo a las 19:00 h.\nPrograma: Manuel AO (12 de febrero) / Ángel Zotes (19 de marzo) / Pablo Parra (2 de abril) / Alba González (30 de abril) / Javier Iriso (26 mayo).
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