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SUMMARY:Ai Weiwei. Don Quixote. MUSAC
DESCRIPTION:Ai Weiwei.\nDon Quixote.\nMUSAC\nSábado 9\, noviembre 2024\nHasta el 18 de mayo de 2025\nCon el título de ‘Ai Weiwei. Don Quixote’\, a partir del 9 de noviembre podrá visitarse en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León una extensa muestra que reúne grandes instalaciones\, una selección de obras realizadas con bloques de LEGO y películas creadas\, durante las dos últimas décadas\, por el artista y activista de origen chino.  \nEl MUSAC presentará uno de los proyectos más ambiciosos realizados por Ai Weiwei (Pekín\, China\, 1957) hasta la fecha. Con 1.700 metros cuadrados de exposición y 44 obras\, muchas de ellas monumentales\, ‘Ai Weiwei. Don Quixote’ incluye trabajos realizados en los últimos 20 años de trayectoria de este creador imprescindible en el panorama artístico internacional\, conocido por su capacidad de fusionar arte y activismo político. Es también la primera exposición que exhibe en profundidad su serie de cuadros realizados con ladrillos de construcción de juguete. Respecto a ellos\, el artista indica: “LEGO\, al igual que los mosaicos antiguos\, los diseños textiles y de alfombras\, o la impresión con tipos móviles de madera de la dinastía Song (c. 1000 d.C.)\, encarna una sensación de atemporalidad”. \nLa exposición\, que podrá visitarse hasta el 18 de mayo de 2025\, se inaugura el 9 de noviembre. El proyecto\, comisariado por el director del MUSAC\, Álvaro Rodríguez Fominaya\, ha sido diseñado junto al artista en exclusiva para el museo leonés\, el único centro en el que podrá verse. \nUn recorrido por la exposición  \nPara encontrar el origen de ‘Don Quixote’ es necesario retroceder hasta la infancia de Ai Weiwei. El padre del artista\, el poeta Ai Quing\, tuvo entre sus libros una edición de la obra maestra de Cervantes\, que Ai recuerda vívidamente por su bella portada e ilustraciones y la breve introducción a la historia que su padre le hizo. Viviendo en los desiertos remotos de Xinjiang\, donde su padre había sido deportado\, la extravagante pareja formada por Don Quijote y Sancho Panza despertó su imaginación infantil y le reveló que se podía concebir todo un mundo de fantasía\, más allá de la doctrina maoísta que dictaba que todo se ajustase a la lógica y la racionalidad.  \n“Don Quixote no se ha concebido como una retrospectiva”\, explica Álvaro Rodríguez Fominaya\, comisario de la exposición. “Aún así\, se abordan las temáticas centrales de su trabajo: la libertad de expresión\, las crisis migratorias y la defensa de los derechos humanos. Además\, casi todas sus grandes series están representadas en la muestra\, en un arco cronológico que va desde 2008 hasta 2023.  \nLa exposición destaca también por sus dimensiones. Se trata de una de las más extensas y ambiciosas del artista y disidente chino. Ha sido concebida especialmente para las salas del MUSAC\, que por su tamaño permiten albergar algunas de las obras más monumentales de Ai Weiwei\, imposibles de exponer en otros museos. Incluye 44 obras entre instalaciones\, cuadros de ladrillos de construcción de juguete\, esculturas\, vídeos y películas. Ocupa unos 1.700 metros cuadrados\, más de la mitad del espacio expositivo del museo. \nCada sala está pensada de forma inmersiva\, con una “piel” que generan obras en formato de papel pintado de suelo a techo\, con más de seis metros de altura. A esto se suman 10 películas que resumen la obra de Ai Weiwei en cine y videoarte\, desde el documental ‘Marea humana’ (2017) hasta el vídeo ‘Beijing 2003’ (2003)\, con 150 horas de duración y que recorre los 2.400 kms de las calles de Pekín\, grabadas desde una furgoneta en movimiento. \nEl MUSAC será el primer museo que exponga en profundidad el conjunto de obras realizadas con bloques de construcción (tipo LEGO o WOMA) en las que Ai Weiwei viene trabajando desde 2007: se verán 19 de las 60 que ha producido hasta el momento. Con estas piezas de juguete\, el artista propone un desafío audaz a la pintura tradicional bidimensional. “Son la herramienta perfecta para cuestionar el pasado político y estético del arte”\, admite Ai Weiwei. “Elegí los ladrillos de LEGO porque son completamente ajenos a mí: son neutros\, incluso absurdos\, con una paleta limitada a cuarenta colores. Usar este material para cuestionar mensajes políticos o estéticos del pasado me parece especialmente adecuado\, ya que no carga con el peso de formas de expresión artística tradicionales como la pintura o la escultura. En cierto sentido\, estos ladrillos de juguete nos liberan de las cargas del bagaje artístico histórico”.  \nEntre estas obras destaca ‘The Third of May’ (2023)\, un gran cuadro inédito\, producido específicamente para esta muestra\, que versiona la obra de Goya ‘El tres de mayo en Madrid’. “Vi en estas imágenes algo que me resultaba familiar\, especialmente en la escena inolvidable de los insurgentes españoles siendo ejecutados: una poderosa representación que conmemora la resistencia española al ejército de Napoleón”\, explica Ai Weiwei sobre esta pieza. Y aclara: “la sociedad siempre ha estado sujeta a cambios políticos drásticos y\, con cada giro\, hay quienes mueren o se sacrifican. Esta pintura lo captura de manera tan vívida y directa que parece que estuviese animada\, expresando la profunda empatía que Goya\, un artista que admiro enormemente\, tenía por el sufrimiento humano”. \nEn ‘Don Quixote’ pueden verse tres grupos de obras en LEGO. El primero lo componen versiones de obras maestras de la historia del arte\, que en este caso se realizan a escala 1:1. Entre éstas está\, por ejemplo\, ‘The Last Supper in Pink’ (La última cena en rosa) de Leonardo da Vinci\, pero a través de la versión de Andy Warhol\, con casi siete metros de largo. \n“Yo nunca elegiría una obra maestra al azar. El cuadro debe resonar conmigo y con mi experiencia política\, por lo que casi todas las obras de arte que elijo narran un tema específico que me importa profundamente. Siempre hay una razón deliberada detrás de mi selección. Espero que los espectadores\, al leer las descripciones de estos trabajos\, puedan entender que estas obras maestras se eligen de manera reflexiva\, no arbitraria o casualmente. Hacer tales elecciones es a menudo un proceso desafiante”\, confiesa Ai Weiwei. \nUn segundo grupo lo componen cuadros en los que parte de imágenes tomadas de los medios de comunicación como ‘The U.S. Navy collecting the remnants of a Chinese high-altitude surveillance balloon shot down by an Air Force fighter’ [La Marina estadounidense recuperando los restos de un globo de vigilancia chino de gran altitud derribado por un caza de las Fuerzas Aéreas]\, que hacen referencia a crisis geopolíticas y humanitarias contemporáneas. En estas obras introduce siempre un elemento ajeno a la composición original. El tercer grupo son aquellas obras que hacen referencia a las propias piezas realizadas por Weiwei en otras técnicas\, como ‘Illumination’ (2019)\, que refleja un selfie que el propio artista se tomó en un ascensor junto a los agentes de policía que le custodiaban en aquel momento. \nObras monumentales en León \nTrabajar con grandes formatos ha sido una constante en la trayectoria de Ai Weiwei. Entre sus obras monumentales incluidas en su exposición en el MUSAC está ‘La Commedia Umana’ (2017-2021)\, que se muestra por primera vez en un museo. Con más de ocho metros de alto\, seis de ancho y 2.700 kg de peso\, es uno de los candelabros de Murano de mayor tamaño realizados nunca. Está compuesto por unas 2.000 piezas. Rodríguez Fominaya desvela que “Ai Weiwei ha estado trabajando con cristal de Murano desde 2017. Este gigantesco candelabro negro fue hecho a mano por artesanos vidrieros en colaboración con una fundación dedicada al trabajo del cristal\, Berengo Studio”.  \n‘La Commedia Umana’ reimagina los clásicos candelabros venecianos de vidrio y surge de las reflexiones del artista sobre el humanismo y la humanidad\, así como de su defensa de la libertad de expresión. Las crisis migratorias\, la amenaza de pandemias actuales y futuras y los devastadores cambios ambientales globales alimentan las reflexiones de Ai Weiwei sobre la relación ser humano-naturaleza y el incierto futuro de la civilización humana\, redefiniendo en última instancia el equilibrio entre la vida y la muerte.  \nSiguiendo con sus grandes instalaciones\, encontramos ‘Life Cycle’ (El ciclo de la vida)\, de 2018. Sus más de 20 metros de largo representan una zodiac como las utilizadas por los refugiados. En 2013\, Ai Weiwei comenzó a crear obras en bambú utilizando técnicas tradicionales de fabricación de cometas como respuesta escultórica a la crisis mundial de refugiados. ‘Life Cycle’ explora el motivo de los botes inflables y de baja calidad que utilizan los migrantes para llegar a Europa. Por su parte\, la obra Olive Tree Roots (Raíces de olivo) también alude a la noción de desplaza- miento y exilio”. \nSobre el artista \nAi Weiwei (Pekín\, China\, 1957) desarrolla una actividad diversa y prolífica en campos como la instalación escultórica\, el cine\, la fotografía\, la cerámica\, la pintura\, la escritura y las redes sociales. Como artista conceptual que fusiona la artesanía tradicional con su herencia china\, Ai Weiwei se mueve libremente entre diversos lenguajes formales para reflexionar sobre la situación geopolítica y sociopolítica contemporánea. La vida y la obra de Ai Weiwei interactúan sin descanso y se influyen mutuamente en una confluencia que a menudo se extiende a su activismo y a su defensa de los derechos humanos internacionales. \nCiudadano global\, artista y pensador\, alterna diversos modos de producción e investigación en respuesta a la dirección y el resultado de su exploración\, ya sea sobre el terremoto chino de 2008 (en obras como ‘Straight’ [Recto]\, 2008-12\, y ‘Remembering’ [Recordando]\, 2009) o sobre la difícil situación mundial de los refugiados y migrantes forzosos (en ‘Law of the Journey’ [La ley del viaje] y su película documental ‘Human Flow’ [Marea humana]\, ambas de 2017). Desde sus primeras posturas iconoclastas con respecto a la autoridad y la historia\, expresadas en ‘Dropping a Han Dynasty Urn’ [Tirando al suelo una urna de la dinastía Han] y ‘Study of Perspective’ [Estudio de perspectiva] —una serie de imágenes en las que hace la peineta ante centros de poder—\, ambas de 1995\, la producción de Ai se amplió a la arquitectura\, el arte público y la performance. Más allá de la preocupación por la forma o la protesta\, el artista mide nuestra existencia en relación con las fuerzas económicas\, políticas\, naturales y sociales\, y combina la artesanía con la creatividad conceptual. Algunos símbolos universales de humanidad y comunidad\, como las bicicletas\, las flores y los árboles\, sumados a los eternos problemas de fronteras y conflictos\, adquieren una fuerza renovada a través de instalaciones\, esculturas\, películas y fotografías\, mientras Ai Weiwei sigue pronunciándose públicamente sobre las cuestiones que considera importantes. Es una de las principales figuras culturales de su generación y se ha convertido en un ejemplo de libertad de expresión tanto en China como a escala internacional. \nAi Weiwei ha expuesto de manera individual recientemente en Design Museum\, Londres (2023); Albertina Modern\, Viena (2022); Museo Serralves de arte contemporáneo\, Oporto (2021). Además de Royal Academy\, Londres (2015); Brooklyn Museum\, Nueva York (2014); Turbine Hall\, Tate Modern\, Londres (2010) o la documenta 12\, Kassel (2007)\, entre muchos otros. \nEntre las colaboraciones arquitectónicas de Ai Weiwei figuran el pabellón de la Serpentine Gallery de 2012 y el Estadio Olímpico de Pekín de 2008\, con Herzog y de Meuron. Entre los numerosos premios y galardones recibidos\, destacan el Praemium Imperiale de escultura de la Asociación Japonesa de Arte\, que le fue concedido en Tokio en 2022; el galardón a la trayectoria profesional de los Premios Chinos de Arte Contemporáneo de 2008; y el nombramiento como académico honorario de la Royal Academy of Arts de Londres en 2011. Su labor como defensor de los derechos humanos ha sido reconocida con el Premio Václav Havel a la Disidencia Creativa en 2012 y con el Premio Embajador de Conciencia de Amnistía Internacional en 2015. \nLas memorias del artista\, ‘1000 años de alegrías y penas’\, se publicaron en 2021\, y la novela gráfica autobiográfica ‘Zodiac: A Graphic Memoir\,’ creada en colaboración con Elettra Stamboulis y Gianluca Costantini\, se ha editado en 2024. \n 
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SUMMARY:COLECCIÓN GABINO DIEGO\, Notas de viaje. El Palacín
DESCRIPTION:COLECCIÓN GABINO DIEGO\, Notas de viaje.\nEl Palacín\n28 de febrero de 2025\, 19 h\nHasta 15 de junio de 2025\nMichael Ackerman | Édouard Boubat | Abraham Calero | Daniel Canogar | Leonardo Cantero | Raúl Cañibano |Keith Carter | Juan Manuel Castro Prieto | Francesc Català-Roca | Toni Catani | Gabriel Cualladó | Martín Chambi |William Claxton | Colita | Joan Colom | Raúl Corrales | Mário Cravo Neto | Bruce Davison | Juan Manuel Díaz Burgos | Gabrielle Duplantier | Alexis T. Edwards | Michel Vanden Eeckhoudt | Elliot Erwitt | Joan Fontcuberta |Leonard Freed | Robert Freeman | Alberto García-Alix | Cristina García Rodero | Gilbert Garcin | Fernando Gordillo Belita Gracia | Fan Ho | Wu Jialin | André Kertész | Margaret De Lang | Pedro Leal | Chema Madoz | Alberto Marti Villardefrancos | Ramón Masats | Pedro Meyer | Xavier Miserachs | Jaime Mota | Nicolás Muller | Isabel Muñoz |Rosa Muñoz | Graham Nash | Carlos Pérez Siquier | Anders Petersen | Olaf Pla Gracia | Leopoldo Pomés | Carla van de Puttelaar | Marc Riboud | Humberto Rivas | Willy Ronis | Pentti Sammallahti | Alfonso Sánchez Portela | Julio Sánchez Montañés | Rafael Sanz Lobato | Jan Saudek | Christer Strömholm | Bill Steber | Ricard Terré | Vicente Tofiño | Javier Vallhonrat | Gerardo Vielba | Keta Viéitez | Virxilio Viéitez | Alfred Wertheimer | Hugues de Wurstemberger \nEl Palacín\, Avda. Doctor Fleming\, 57\n© Linea 2 / Entrada gratuita \nHorario de martes a domingo:\nde 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h\nFestivos (excepto lunes): de 11:00 a 14:00 h\nLunes: cerrado
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SUMMARY:Una distancia insalvable. Fundación Cerezales.
DESCRIPTION:Una distancia insalvable.\nFundación Cerezales.\nDomingo 23 de marzo 12 h\nHasta el 15 de junio de 2025\nHay objetos altivos: que\, incluso en las condiciones más precarias\, se esfuerzan en mantener las distancias. Esta exposición explora esa lejanía que imponen (y comparten) los artefactos artísticos y religiosos\, tomando como ejemplo bienes venidos de cuatro monasterios cercanos: edificios que se levantaron para perdurar siempre y que\, mal que les pese\, han terminado aminorados o destruidos \nReuniendo algunos de sus fragmentos y forzándolos a mantener conversación con obras contemporáneas\, esta exposición trata de enfrentar su tozudez colándose por las rendijas de su vanidad: dándoles\, de nuevo\, una ocasión para dignificarse y para desplegar\, en otro tiempo y espacio\, el aura que nunca quisieron perder. \nCon proyectos de Raquel G. Ibáñez\, José Miguel Pereñíguez\, Luis Vassallo y obras de Martínez Bellido\, Juliana Cerqueira Leite y Jorge Diezma; bienes referentes o provenientes de los monasterios de San Pedro de Eslonza\, San Miguel de Escalada\, Santa María de Sandoval y Santa María la Real de Gradefes; el Archivo Diocesano de León\, la parroquia de Palazuelo de Eslonza y el Museo de León. \nINFORMACIÓN PRÁCTICA\nTítulo: Una distancia insalvable\nApertura: Domingo 23 de marzo \nFechas: 23 de marzo al 15 de junio\nHorario: 12:00 a 14:00 y de 16:00 a 19:00\nDirigido a:  Todas las personas\nLugar:  FCAYC \nINFORMACIÓN TÉCNICA\nComisario: Joaquín Jesús Sánchez\nCuradora jefe: Rosa Yágüez [FCAYC]\nCurador FCAYC: Alfredo Puente [FCAYC]\nCoordinación general: Zaida Llamas [FCAYC]\nDiseño museográfico: Juan Manuel Villanueva\nMontaje: Fernando Robles\, Maximino Sánchez\, Alberto Valbuena [FCAYC]\nMantenimiento: Inmaculada López [FCAYC]\nEducación y Programas públicos: Nadia Teixeira y Ana Andrés [FCAYC]\nComunicación: Ana Andrés [FCAYC]\nDiseño gráfico: Jose Luis González Macías\nImpresión: APEL Gráfica y Megaprint\nAudiovisual: Ismael Aveleira.\nAgradecimientos:  \n#culturacontemporánea #análisisdecontexto \nCon el partenariado de: 
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SUMMARY:Así como suceden las cosas\, también nada sucede. Colección MUSAC
DESCRIPTION:Así como suceden las cosas\, también nada sucede.\nColección MUSAC\nDel 29 de marzo de 2025 al 8 de febrero del 2026\nAsí como suceden las cosas\, también nada sucede.  Colección MUSAC<————–
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SUMMARY:Autorretratos a través de la historia del arte. Yasumasa Morimura. Musac
DESCRIPTION:Autorretratos a través de la historia del arte.\nYasumasa Morimura.\nMusac.\nDel 29 de marzo de 2025 al 8 de febrero de 2026\nExposición Yasuma Morimura<————–
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SUMMARY:MÍMESIS. Julia González Liébana. Galería de arte ÁRMAGA
DESCRIPTION:MÍMESIS.\nJulia González Liébana.\nGalería de arte ÁRMAGA\nViernes 11 de abril\, 20 h\nHasta el 17 de mayo de 2025\nUna muestra compuesta por una treintena de imágenes que se articulan\nen tres series: Mujeres\, Herbarium evanescente y Encuentros con la na-\nturaleza. A través de ellas\, la artista propone una mirada poética sobre la\nconexión entre el cuerpo y lo natural\, explorando la fragilidad\, la identi-\ndad y la belleza efímera del mundo que habitamos.\nLa exposición podrá visitarse hasta el 17 de mayo en la Galería Armaga. \nC/ Alfonso V\, N°6 | 24001 León – España | Tfno.: +34 987 238 787\narte@armaga.com | armaga.com \n 
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SUMMARY:Rosa Barja. Vitrina del arte León. Galería de arte Cinabrio
DESCRIPTION:Rosa Barja.\nVitrina del arte León.\nGalería de arte Cinabrio\nSábado 3\,mayo 2025\, 13 h\nGalería Cinabrio \nC/ Gran Capitán\, 11 \nLeón\, España
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SUMMARY:Emilio Héctor Rodríguez Fanny Karchmer "Si la vida fuera así" Galería de arte Cinabrio
DESCRIPTION:Emilio Héctor Rodríguez\nFanny Karchmer\n«Si la vida fuera así»\nGalería de arte Cinabrio\nSábado 3\, mayo 2025\, 13:30 h\nGalería Cinabrio \nC/ Gran Capitán\, 11 \nLeón\, España
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SUMMARY:Los últimos de la mina. Luis Miguel Ramos Blanco. Museo de la siderurgia y de la minería de Sabero.
DESCRIPTION:Los últimos de la mina.\nLuis Miguel Ramos Blanco.\nMuseo de la siderurgia y de la minería de Sabero.\nMayo – Julio 2025.
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SUMMARY:Exposición de pinturas de Raquel Fierro. Camarote Madrid
DESCRIPTION:Exposición de pinturas de Raquel Fierro.\nCamarote Madrid\n7 de mayo de 2025\, 12:30 h\n 
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SUMMARY:Lugares que soy. Belén Sánchez Campos. Museo de León
DESCRIPTION:Lugares que soy.\nBelén Sánchez Campos.\nMuseo de León\n9 de mayo – 6 de julio de 2025\nEn esta muestra de la obra de Belén Sánchez Campos lo que en verdad importa sucede cuando nada sucede en apariencia. Sus fotografías reflejan un tiempo suspendido donde las bellezas pasajeras se resaltan con los colores que habitan en los sueños. \nGabriel Quindós Martín Granizo \nEsta exposición se llena de tantas metáforas como los granos de arena que no pueden contarse en ella. Difícil no pensar que caminamos algún día por este tiempo\, que quizás aparezcamos en la siguiente imagen sin saberlo\, sin conocer el lugar\, aunque sepamos que también lo somos. \nLuis Grau Lobo \nEn un lugar de nuestra mente\, entre el espacio y el tiempo\, viven los recuerdos. Ese espacio es un paraíso\, un refugio al que acudimos escapando de nosotros\, una especie de limbo donde el tiempo no existe. Realidad e irrealidad se entrelazan creando un escenario\, un mundo ideal al que pertenecemos. Es exigente y necesita ser alimentado. \nSonidos\, olores e imágenes lo conforman. Estas fotografías pertenecen a ese lugar en el que a veces habito\, siempre estará en mí. \nSon mis recuerdos. \nBelén Sánchez Campos \nMuseo de León\nPlaza de Santo Domingo\, 8 (edificio Pallarés)\n24002 León \nHorario:\nMartes a Sábado 10 a 14 y 16 a 19 h\nDomingo 10 a 14 h\nENTRADA GRATUITA
URL:https://leoncultural.com/evento/lugares-que-soy-belen-sanchez-campos-museo-de-leon/
LOCATION:Museo de León\, Plaza de Santo Domingo\, 8\, León\, León\, 24002\, España
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SUMMARY:Arte en El Camino. El Albéitar
DESCRIPTION:Arte en El Camino.\nEl Albéitar\nDel 14 de mayo al 13 de junio de 2025\nInauguración miércoles 14 de mayo 11:15 h\n\nLos Escultores centran buena parte de la atención acompañando al visitante con su obras\, distribuidas por el patio y espacios interiores. Están presentes importantes nombres de la escultura leonesa que se expresan con un rico repertorio de técnicas\, estilos\, géneros y temas: Antolín Álvarez Chamorro\, posicionado dentro de la tradición clasicista en sus aspectos formales y temáticos; Carlos Cuenllas\, se afianza en las corrientes consolidadas de la escultura contemporánea: construcción sintética\, materiales aleatorios\, mutación de los temas tradicionales\, espacialidad en los emplazamientos; Mariano Gutiérrezpropone un conjunto de obras que giran en torno al individuo con sus experiencias vitales alienantes y la lucha por su superación;  encontramos el realismo desbordante del animalario de Cosme Paredes\, deudor en su configuración plástica de los sistemas de estructura geométrica; las esculturas abstractas de Pope de Paz que bascula entre el lirismo y el expresionismo al que contribuye el material;  sendas obras de Jesús Pombo de los Arcos y Javier Robles resueltas en ambos casos dentro de la figuración\, con lenguajes y estéticas diferentes: El Pollo de corral de Pombo\, cuyo esquema figurativo tradicional en el que introduce elementos irónicos\, provoca un choque visual con ecos neodaístas. mientras  que en el Sin techo de Robles priman los volúmenes netos y marcadas aristas que ponen el acento en la narración y en la esencialidad del contenido. Juanjo Feral\, fiel a si mismo\, lanza una figura metálica que es puro  dibujo en el aire.  Elena Campos utiliza el arte textil para encontrar un modo personal de expresarse artísticamente\, haciendo que materiales tradicionalmente de otros ámbitos le permitan dialogar con la escultura\, como la magnifica obra que aquí expone. Del techo de la capilla pende la Sta Teresa que Nicolás Coderch realizó en malla metálica. Todo un símbolo de espiritualidad. \n   Instalación: Cristina Ibañez expone “Postigo” compuesta de varias piezas: puerta de madera recuperada e intervenida con pirograbado y piedras de jardín. Pilar Fornes\, “Egeria”\, interpretación del viaje de esta mujer que en la Alta Edad Media viajó desde el Bierzo a Jerusalén relatando sus percepciones .  \n   Fotografía y Artes Plásticas :\nLa serie  “Personas” de Luis Canal es un trabajo que insiste en el individuo\, en el mundo que hay detrás de cada rostro\, de cada mirada\, de cada expresión corporal. Ha fotografiado a personas de diferentes países de Europa buscado complicidad aun con la espontaneidad en el disparo. El ser humano es el centro de la fotografía de Luis Canal del que es un verdadero especialista. \nExpone Fernando Tuñón\, la serie “Agua”. El agua\, su curso -el discurrir- y discurso -su esencia-\, metáforas de la vida\, protagonizan los paisajes acuáticos en los que retrata la calma y la tensión de sus superficies o el estruendo de la caída libre. En las fotografías realizadas con la cámara muy próxima la sensación líquida se trasforma en masas compactas y misteriosas potenciadas por la elección del blanco y negro. \n   Elena Montaña parte de un uso exquisito y sensible de los materiales para conformar sus acuarelas y delicados collages\, realizados con fibras naturales y papel artesanal. Obras sin referencias figurativas\, a pesar de que cierta disposición de sus elementos conlleva sugerencias paisajísticas\, que junto a los tonos neutros y la tendencia al monocromatismo induce a pensar en lo oriental. Dos obras de abstracción expresionista y la introducción de objetos aleatorios ponderan esta muestra. \n   Fiona Morrison  se expresa en diferentes medios: pintura\, instalación\, fotografía\, vídeo…For You es el nombre de la presente muestra\, dedicada a la figura de su padre\, el pintor inglés John Morrison. En ella la nostalgia es el punto de partida para construir collages en los que convocar la memoria del hogar mediante las lineas infantiles y arquetípicas de una casa\, dibujada sobre cromatismos dulces y suaves. La alusión se afianza con la presencia de cuerpos celestes\, “estrellas”\,  en formas plásticas metafóricas que brillan sobre idealizados campos  azules. \n   Roberto Díez\, pintor leonés residente en Madrid expone Off-sett\, serie de diez collages que deslumbran con su poderosa presencia plástica\, y en la que el papel fragmentado coloniza el espacio mediante un proceso creativo que conlleva las acciones de destruir/construir\, en consecuencia\, generar una nueva realidad. Son obras que\, en su conjunto\, se adecúa formal y conceptualmente a territorios procedentes de las vanguardias históricas y otros surgidos en las décadas de los cincuenta y los sesenta\, bien asimilados por el artista\, entre ellos los cromatismos planos del off-set o los campos semánticos que introducen los recortes de prensa y las letras aleatorias. \n  De Ángela Merayo se exhibe la serie La Albera/Mediterrànea en la que con símbolos geométricos y materiales pétreos se evocan diferentes culturas y pueblos que han poblado el Mediterráneo: fenicios\, íberos\, griegos\, romanos etc.\, y que han transformado el paisaje y la cultura. Persiste en estas pinturas la relación con la naturaleza que Ángela Merayo ha mostrado habitualmente en sus trabajos y se permite la utilización de un cromatismo especial\, alegórico y bello con el que  enfatizar el rojo de los atardeceres mediterráneos y los abisales y amargos azules de sus profundidades.  \n   Ángel Cantero exhibe Per Viam. Muestra de pintura en estado puro. Se expone en la capilla\, convirtiéndola en un espacio/paisaje mágico que proporcionará a quien lo visite una experiencia analógicamente inmersiva en un mundo místico medieval. En sus imágenes conviven símbolos y ciencia: aparece la serie Fibonacci\, en el lugar preeminente  del retablo\, cual predela\, mientras en la pared contraria sitúa los cuatro estados de la materia: aire\, agua\, tierra y fuego\, que se reflejan en el mundo interior del hombre. Y como una constante la idea de azar\, lo imprevisto y mistérico: dados\, cartas\, laberinto… y la luz bañando todo el conjunto.
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LOCATION:El Albéitar\, Calle Covadonga\, Calle Luis de Sosa\, esquina\, León\, León\, 24004\, España
CATEGORIES:Escultura,Exposiciones,Fotografía,Pintura,Presentaciones
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SUMMARY:Polvo y viento de Brama Teatro. Valderas
DESCRIPTION:Polvo y viento de Brama Teatro\nAuditorio María de las Hazas. Valderas\nSábado\, 17 de mayo\, 19:00 horas.\n\n\nCircuitos Escénicos de Castilla y León\, Diputación Provincial de León\, Ayuntamiento de Valderas.\n\nSe oye un violín y notas silban al viento; una voz de mujer las escucha\, las atrae\, las siente\, las recoge y las da vida… Se convierten en letras\, poemas atemporales.. de otras épocas\, de estas… ¿Cuántas veces un texto llamado “Anónimo” podría esconder los versos de una mujer? Sutileza\, recuerdos a Emily Dickinson\, Gabriela Mistral\, Silvia Plath\, Alfonsina Stormi\, y\nRosalía de Castro.. de la mano de estas burgalesas extraordinarias que componen también sus temas propios.\n\nPúblico: Adulto\nDuración: 60 minutos.\n\nLa Compañía\nBRAMA TEATRO es un equilibrio de creatividad\, ilusión\, técnica\, compromiso\, precisión\, entrega\, dramaturgia\, sonoridad y estética.\nBRAMA TEATRO habla de un teatro orgánico que trabaja sobre la esencia del comportamiento investigando muy de cerca las posibilidades del propio individuo desde su propia naturaleza. Tal y como los bramidos aparecen desde una necesidad primigenia de expresión\, sin artificio\, así se concibe la línea estilística de nuestras propuestas. Las línea artística propuesta se sostienen en base a tres elementos fundamentales: una sólida dramaturgia defendiendo el texto como elemento estructural\, una estética esencial manifiestamente narrativa y contemporánea y una interpretación orgánica como vínculo directo entre los intérpretes y el espectador.\nEntendemos el teatro como una expresión artística viva que nos permite seguir investigando en esta línea. La certeza de que había un camino propio\, personal y único de hacer teatro nos ha permitido indagar en formas nuevas de hacer teatro y de comunicación desde la emoción hasta la emoción\, con rotunda verdad.\nEn el horizonte de BRAMA TEATRO está el seguir esta línea de trabajo\, buscando la mirada próxima del público con propuestas escénicas rotonas que proporciona el teatro en estado puro.\n\n\nBRAMA TEATRO se fundamenta en una sólida dramaturgia y una línea estética de narrativa contemporánea\, creando propuestas de una enorme fuerza expresiva y de rotunda belleza.\nVER MÁS\nConsulta aquí nuestras funciones\nVer\nEspectáculos para toda la familia.\nBRAMA TEATRO apuesta por propuestas originales\, innovadoras e imaginativas desde la creación propia y usando siempre la escenografía y la música en directo como potentes recursos narrativos para el público familiar.
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LOCATION:Valderas\, Valderas\, León\, 24220\, España
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SUMMARY:JONATHAN FERNÁNDEZ (Barcelona). Sala Eutherpe
DESCRIPTION:JONATHAN FERNÁNDEZ (Barcelona).\nSala Eutherpe\nSábado 17\, mayo 2025\, 19:30 h\nPROGRAMA \nJSBach Concierto italiano BWV 971 . alcalde mayor \nI. Allegro poco moderado \nII.Andante \nIII.Presto \nS. Prokofiev \, Sonata Nº7 op.83 si b mayor \nI. Allegro inquieto \nII. Andante caloroso \nIII.Precipitado \n\nF. Chopin \nNocturno Nº1 op.27. hacer sonido menor \nNocturno Nº2 op.27. re bemol alcalde \nBalada Nº1 en sol menor op.23 \nAndante spianato y gran polonesa brillante op.22.Mi b Mayor \nJonathan Fernández Cruz\, Nacido en Sabadell en 1977. Actualmente combina la actividad pedagógica con la de concertista. \nComienzan sus estudios musicales en Vilanova y la Geltrú. Continuó su educación musical en el Conservatorio Superior del Bruc de Barcelona y finalizó sus estudios superiores de piano y música de cámara en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. \nComo solista ha desarrollado su carrera y se ha consolidado como pianista a través del trabajo constante y la dedicación tocando en salas como el Ateneo Mercantil de Valencia\, la Biblioteca Nacional de Cataluña y en la Fundación Eutherpe.
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LOCATION:Sala EUTHERPE\, Alfonso V\, 10\, León\, León\, 24001\, España
CATEGORIES:Conciertos,Música
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SUMMARY:"ESTE LÍO NO ES DE RECIBO" Dir.: Jaime Rodríguez. Athenea Teatro. El Albéitar
DESCRIPTION:«ESTE LÍO NO ES DE RECIBO»\nDir.: Jaime Rodríguez.\nAthenea Teatro.\nEl Albéitar\nSábado 17 de mayo de 2025\, 20:30 h\nENTRADAS (8€) EN LA TAQUILLA DEL TEATRO 15 MIN. ANTES DEL COMIENZO \n50% DESCUENTO COMUNIDAD UNIVERSITARIA\, PRESENTANDO CARNET UNIVERSITARIO + DNI \nLa compañía Athenea Teatro presenta Este lío no es de recibo de Jaime Rodríguez \nSinopsis: \n«¿Han tenido que hacer un sencillo trámite en alguna administración\, y después de perder toda la mañana no han podido terminarlo? \n¿Han querido hacer ese mismo trámite por internet\, y se han enfrentado a un mundo totalmente desconocido? \n¿Siente empatía por esas personas mayores\, en las que parece nadie piensa en este mundo cada vez más digitalizado? \nSi su respuesta a alguna de estas preguntas es SI\, entenderá perfectamente lo que le pasa al protagonista de esta historia. \nAntonio\, un jubilado que recoge todos los días a su nieto a la salida del colegio\, pero… se enfrentará a una jornada intensa\, sus enemigos serán la tecnología y la dichosa burocracia y sus aliados su actitud\, siempre positiva\, y su buen hacer. Estos valores le serán imprescindibles para lidiar con dos funcionarias\, el día y la noche\, que serán las encargadas de amenizar su entretenida mañana. \nEstamos seguros de que pasareis un rato estupendo disfrutando de esta situación en las que seguramente nos hemos visto reflejados.» \nREPARTO (por orden de intervención): \nMARÍA: Nuria García \nMARTA: Leire Lorenzo \nANTONIO: Francisco Alonso \nDIRECCIÓN Y PUESTA EN ESCENA: Jaime Rodríguez \nDURACIÓN APROXIMADA. 1 HORA
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CATEGORIES:Teatro
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SUMMARY:OKKULTIST + NO REST FOR THE CANADIANS. Black Bourbon
DESCRIPTION:OKKULTIST + NO REST FOR THE CANADIANS.\nBlack Bourbon\nSábado 17\, mayo 2025\, 21:30 h\n✅Apertura: 21:00h \n🎸 Inicio: 21:30h \n🎟️ Anticipada: 8€ \n🎟️ Online: (pulsa en + info) \n🎟️ Taquilla: 12€ \n🎶 Estilo: Death Metal /Thrash metal \n🗺️ Origen: Portugal / León \n💀 OKKULTIST + NO REST FOR THE CANADIANS 💀 \nUna noche de metal abrasivo\, directo y sin concesiones. \nRiffs contundentes\, voces desgarradas y una descarga de pura oscuridad. \n¡Esto no es para los débiles! \nOkkultist\, nacida en 2016\, es la banda portuguesa de blackened death metal que captó la atención mundial con el exitoso lanzamiento de «Reinventing Evil» en 2019 a través de Alma Mater Records\, estrenado en Revolver Mag. \nLa formación actual de la banda está compuesta por Beatriz Mariano [fundadora\, visionaria\, voz]\, Leander Sandmeier [cofundador\, guitarra]\, David J. Rodrigues [bajo] y Eduardo Sinatra [batería]\, quienes se unieron para presentar al mundo el nuevo capítulo de Okkultist: «O.M.E.N.»  \nEl segundo álbum de la banda se lanzó\, una vez más\, a través de Alma Mater Records\, producido íntegramente por todos los miembros de la banda [incluyendo la creación\, grabación y producción de todos los visuales por la propia vocalista]\, mezclado y masterizado en Demigod Recordings.  \nEl primer sencillo\, «Meet Me In Hell»\, se estrenó en 2022 en Metal Injection y\, posteriormente\, el lanzamiento del álbum se estrenó a principios de 2023\, una vez más\, en Revolver Mag con el videoclip de «Death To Your Breed»\, además de contar con una entrevista completa en la edición impresa de enero de Metal Hammer [DE]. \nNO REST FOR THE CANADIANS \nNo Rest For The Canadians es un grupo leonés de thrash/heavy metal nacido en el año 2020 y que está formado por Jaime al bajo\, Guille y Víctor a las guitarras\, Dosan a la batería e Iván llevando la voz cantante.  \nDestacan por ofrecer unos directos contundentes e intensos con a veces algún tinte de humor haciendo que se metan al público en el bolsillo casi desde el principio. \nCon una contundente trayectoria\, llevan una actividad de conciertos que les ha permitido compartir escenario con muchos grupos del panorama nacional. \nSu estilo Thrash metal queda ampliamente recogido en su primer trabajo e
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LOCATION:Black Bourbon\, Puerta del sol 8\, León\, León\, 24003\, Spain
CATEGORIES:Conciertos,Música
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