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SUMMARY:La equilibrista\, Teresa Burga. MUSAC
DESCRIPTION:La equilibrista\, Teresa Burga.\nMUSAC\n26 de noviembre de 2022 – 28 de mayo 2023\nComisarias: Helena López Camacho (MUSAC)\, Janneke de Vries (Weserburg)\nCoordinación: Helena López Camacho \nLa equilibrista es la primera exposición individual en España de la artista conceptual peruana Teresa Burga (Iquitos\, Perú\, 1935-Lima\, Perú\, 2021). El proyecto\, realizado en colaboración con el Weserburg Museum für moderne Kunst de Bremen (Alemania) recoge más de 100 obras realizadas entre los años 60 y hasta los últimos años de su carrera. \nArraigada a su contexto y cultura\, Teresa Burga desarrolla una obra en la que integra modernidad y tradición en el aspecto formal\, en una producción que incluye dibujos\, esculturas de naturaleza pop\, instalaciones\, pinturas murales\, partituras visuales o diagramas y esquemas para la realización de instalaciones y performances. Gracias a los postulados heredados del arte conceptual\, en su trabajo subyace —a través del reflejo en su obra las personas (mujeres en muchas ocasiones)\, los usos y costumbres (calles y mercados locales) de su realidad más cercana— un fuerte compromiso social y crítica de la herencia colonial de Perú\, la realidad política y social del país o la situación de la mujer. No en vano sus obras han sido leídas en clave de mapa sociológico\, político y como defensora de los derechos de la mujer y los postulados feministas. \nLa exposición tiene el dibujo como eje\, trazos y líneas de aparente simpleza y de enorme fuerza expresiva que se manifiestan en soportes\, estilos y formatos de diversa naturaleza. Desde las pinturas más expresionistas y diseños de aspecto más comercial de sus inicios\, a los objetos escultóricos en forma de prisma y de inspiración pop realizados en los años 60\, la exposición incluye la mayor presentación hasta la fecha de obra sobre papel de la autora\, así como la producción específica para las salas del museo de una pintura mural de gran formato concebida en los años 90 y que se realiza con motivo de este proyecto en el MUSAC. El autorretrato de naturaleza instalativa Untitled (Heartbeat Machine)\, 1970-2018\, con el electrocardiograma y el sonido del latido de su corazón\, y la escultura Mano mal dibujada (2012-17) junto al dibujo La equilibrista (2020)\, como plasmación de las críticas que la acompañan toda su vida\, contribuyen a dar presencia física y simbólica a la artista en el espacio expositivo\, quien fallece en 2021 a la edad de 86 años con el reconocimiento de la crítica cultural internacional.
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SUMMARY:Anidar en el gesto: unas estanterías de Alberto. Fundación Cerezales Antonino y Cinia
DESCRIPTION:Anidar en el gesto: unas estanterías de Alberto.\nFundación Cerezales Antonino y Cinia\n18 de diciembre de 2022 12h\nHasta 2 de abril de 2023\nPartimos de un gesto: el protagonizado por el escultor Alberto Sánchez (Toledo\, 1895 – Moscú\, 1962) en París\, entre abril y septiembre de 1937. Allí\, tras el montaje de su escultura El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella para el Pabellón de la República Española\, Alberto permaneció en la ciudad hasta que los trabajos finalizaron y el pabellón pudo ser inaugurado. \nLas estanterías de Alberto\, de formas redondeadas y fluidas\, que inevitablemente se relacionaban con la pintura y la escultura surrealistas\, concretamente de la Escuela de Vallecas\, dejaban claro que la labor del artista no se redujo a “echar una mano”\, sino que estas terminaron por convertirse en una pieza más de las que Alberto mostró en aquel pabellón. Si retorcemos un poco más el relato\, resulta altamente sugerente ver el trabajo del artista renombrado\, al que habían otorgado uno de los espacios protagonistas de la exposición\, poniendo sus formas al servicio de la muestra de arte popular que ocupó\, entremezclada con los fotomontajes firmados por Josep Renau\, una de las plantas del edificio de Sert y Lacasa. De ahí lo insólito de aquellas estanterías\, pero más que las estanterías\, lo inusitado del gesto del artista que asumía un compromiso aplazando su vuelta a casa para conseguir poner en marcha aquel proyecto colectivo que buscaba desesperadamente lograr visibilidad y recabar apoyos para frenar el avance del levantamiento fascista en España. \nPartiendo de ese gesto\, se extendió en la fase inicial una doble invitación a los artistas Teresa Lanceta y Xavier Arenós\, motivada por el interés hacia su labor como creadores en relación con las artes populares y con la vanguardia artística española de las décadas de 1920 y 1930. Se pensó así su participación desde el principio de la investigación con el objetivo de conformar un proyecto de exposición para la FCAYC cuya forma ha permanecido abierta y supeditada al trabajo de pesquisa. Surgió como consecuencia la posibilidad de que este proceso vaya derivando en la construcción de una exposición al uso\, y/o de un espacio documental en que los trabajos de estos artistas se entremezclen con los de otros -con los de una lista que poco a poco se va conformando-\, con el material recopilado y con otro tipo de materiales servidos a la mesa de esta investigación. \nÁngel Calvo Ulloa (comisario) \nImagen: Fotograma de la entrevista realizada por Xavier Arenós y Ángel Calvo Ulloa a la investigadora Josefina Alix Trueba el 21 de mayo del 2022 en Madrid. Vídeo: Ada Cerdá.
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SUMMARY:Centenario del edificio Pallares. Exposición temporal. Museo de León.
DESCRIPTION:Centenario del edificio Pallares. Exposición temporal.\nMuseo de León.\nDel 20 de diciembre de 2022 al 5 de marzo de 2023.\n\n\n\nEn ocasiones un edificio se convierte en algo más que una mera construcción\, aunque esto no dependa de lo notable que pretenda ser. En algunos casos\, no muchos\, adquiere la categoría de convidado y referente en un enorme número de circunstancias e imágenes de una ciudad\, y pasa a ser una suerte de custodio doméstico de todo acontecimiento y evocación. Es el caso del «edificio Pallarés»\, actual sede del Museo de León\, que cumple cien años este de 2022. Sea por su ubicación en el innegable ombligo de la ciudad; sea por su tan distinta forma\, con esa volumetría de buque atento a una marea propicia; sea por su trayectoria\, de siempre dedicada a una acogida hospitalaria\, primero a los clientes de un bazar y ahora a los visitantes de exposiciones y del Museo\, Pallarés lleva cien años cumpliendo ese papel de centinela imaginario en el imaginario de los leoneses. \nEl espacio que hoy ocupa limita a occidente la ciudad antigua y\, en época romana\, coincidía con el talud en que se aupaba el acantonamiento amurallado\, constatado en excavaciones arqueológicas un pontón de madera de los legionarios. Este espacio literalmente extramuros se dedicó posiblemente a «huertas del rey» en la Edad Media y a mercado ganadero o «rastro» desde el siglo XVI\, afectado por las insalubres aguas y vertidos que describe la Pícara Justina\, convirtiéndose en pósito municipal y alhóndiga desde mediado el XVIII\, actividad de la que aún se conservan fotografías. \nCon la radical transformación urbana y su ensanche decimonónico\, el solar adquirió gran valor urbanístico\, pasando de marginal a decididamente céntrico\, en la epi- céntrica plaza de Santo Domingo. Finalmente el edificio «Pallarés» fue construido en 1922 como almacén y comercio ferretero por el arquitecto Manuel de Cárdenas\, único inmueble de entonces dedicado en exclusiva a una actividad mercantil que\, durante cerca de sesenta años\, se dedicó a grandes almacenes comerciales. La obra de Cárdenas\, compromiso entre un historicismo ecléctico y la aplicación de nuevos materiales\, como el hormigón\, se enfrentó a una manzana propia muy alargada que obligó a una configuración distintiva y una fachada semicilíndrica repleta de ventanal. \n\n\n\nCerrado el comercio\, la Diputación provincial adquirió el edificio en los ochenta\, convirtiéndolo en «Salón de las artes»\, lugar de pródigos actos culturales. En 1993 se planteó una reforma y ampliación que liquidó gran parte de lo proyectado originalmente\, pero un cambio político en la Diputación provocó el detenimiento y abandono de las obras durante casi una década. En ese momento se encontró con un Museo huérfano de sede: un contenedor de privilegio sin contenido y un contenido excepcional sin ubicación\, todo parecía cuadrar. Tras la propuesta del propio Museo en 1997 y distintas deliberaciones y contrapropuestas\, el Ministerio de Cultura adquirió por fin Pallarés en 2001. El equipo del Museo elaboró entonces el proyecto museológico y\, tras casi cuatro décadas dando tumbos entre distintas opciones\, en 2007 el primero de los museos leoneses abrió al fin sus puertas en esta nueva\, flamante y definitiva sede. Celebren con nosotros todo este tiempo.
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LOCATION:Museo de León\, Plaza de Santo Domingo\, 8\, León\, León\, 24002\, España
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SUMMARY:Imágenes latentes. Olga Llamas. Centro leonés de arte.
DESCRIPTION:Imágenes latentes. Olga Llamas.\nCentro leonés de arte.\nDel 1 de febrero al 27 de marzo de 2023\nCentro leonés de arte\nAv. Independencia\, 18 León
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SUMMARY:Picasso\, arte e intimidad. Museo Casa Botines Gaudí. León
DESCRIPTION:Picasso\, arte e intimidad.\nMuseo Casa Botines Gaudí. León\nSábado 4 de febrero – 14 de mayo de 2023\nInauguración viernes 3 de febrero\, 20 h\n\n\n\n\n\n\n\n\nDurante sus casi noventa años de vida\, Pablo Picasso (Málaga\, 1881 – Mougins\, 1973) no dejó de crear y buscar nuevas formas de expresión. Hoy\, cinco décadas después de su fallecimiento\, nos acercamos a su particular forma de ver el arte como un instrumento en el que plasmar su día a día a través de los distintos estilos que desarrolló.\n\nCuando trabaja\, Picasso es pura pasión. Expresa sus sentimientos\, sus preocupaciones\, sus deseos\, los mitos que le han marcado… en definitiva\, su frenético mundo creativo. La calidad de sus creaciones\, la variedad de las técnicas\, las temáticas condicionadas por acontecimientos externos y personales\, hacen que su producción gráfica sea uno de los testimonios artísticos más importantes del siglo pasado.\n\n\nEsta exposición permite un recorrido por este desbordante mundo interior a partir de tres series completas de grabados y varias obras sueltas\, además de un dibujo original. Un Picasso íntimo y cercano\, cotidiano\, que se expresa de la mejor manera en que un artista puede hacerlo: a través de sus obras.\n\nFUNDOS y el Museo Casa Botines Gaudí se unen\, de esta manera\, a la Celebración Picasso\, que conmemora el cincuenta aniversario del fallecimiento del artista (1973-2023) y reivindica su legado como gran artista plástico de la modernidad.
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SUMMARY:Mother India\, Raghu Rai. Exposición en El Albéitar
DESCRIPTION:Mother India\, Raghu Rai.\nExposición en El Albéitar\nDe lunes a viernes\, de 12 a 14 h Y de 18 a 20 h\nHasta el 17 de marzo\nMOTHER INDIA\, Raghu Rai \nAhora que India celebra el 75º aniversario de su independencia\, el debate sobre la idea de Mother India (Madre India) es más pertinente que nunca. Antes de la independencia de la India (1947)\, el concepto de Mother India /Bharat Mata era crucial para ayudar a crear una identidad patriótica. La India ha recorrido un largo camino desde entonces\, pero el diálogo sobre “Mother India” y lo que significa hoy en día continúa. La exposición se propone explorar el concepto de Madre India a través de los archivos de Raghu Rai\, presentando cuarenta obras que abarcan casi seis décadas de su carrera artística. Rai indaga en el imaginario y las múltiples connotaciones de Mother India haciendo hincapié en el aspecto sagrado de lo femenino\, que es una parte integral del ethos y la cultura de la India. \nAnubhat Nath (comisario) \nRaghu Rai (1942) es ingeniero civil y se inició en la fotografía en 1965. Se incorporó al periódico “The Statesman” como fotógrafo jefe de 1966 a 1976\, y luego fue editor de fotografía en la revista semanal de noticias “Sunday”\, publicada en Calcuta de 1977 a 1980. En 1972\, impresionado por la exposición de Rai en la Galería Delpire de París\, el legendario fotógrafo Henri Cartier Bresson lo nombró miembro de Magnum Photos\, la cooperativa de fotógrafos más prestigiosa del mundo\, de la que Rai no pudo formar parte hasta 1977. Rai asumió el cargo de editor\, visualizador y fotógrafo de “India Today”\, la principal revista de noticias de la India\, contribuyendo con ensayos fotográficos pioneros desde 1982 hasta 1991. Sus series sobre los grandes maestros de la música clásica india\, Satyajit Ray y la Madre Teresa se convirtieron en el tema de conversación de la revista. En 1972 recibió el premio «Padmashri» del Gobierno de la India\, un premio civil. En 1992 fue premiado como «Fotógrafo del Año» en Estados Unidos por el reportaje «Human Management of Wildlife in India»\, publicado en “National Geographic”. En 2009 recibió el premio Officier des Arts et des Lettres del Gobierno francés y el Lifetime Achievement Award en 2016 en la India. Recientemente\, en 2018\, ha sido galardonado por la Fundación Lucie de Nueva York como Maestro del Fotoperiodismo. Rai recibió el Premio de la Academia de Bellas Artes de París en 2019\, uno de los premios más importantes en el ámbito de la fotografía que se ha concedido a un fotógrafo vivo. En 2012\, Raghu Rai creó el Centro de Fotografía Raghu Rai para compartir sus 50 años de conocimiento y experiencia con las jóvenes generaciones. Raghu Rai vive en Nueva Delhi con su familia y actualmente trabaja en su 57ª publicación. \nLa exposición «Mother India» está organizada por la Casa de la India y la Universidad de León con el patrocinio del Ministerio de Asuntos Exteriores del Gobierno de la India y la colaboración de la Embajada de la India y XPD Division.
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LOCATION:El Albéitar\, Calle Covadonga\, Calle Luis de Sosa\, esquina\, León\, León\, 24004\, España
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SUMMARY:"Un sueño de hojas\, flores y peces" Exposición homenaje a Miguel Escanciano. Galería Ármaga.
DESCRIPTION:«Un sueño de hojas\, flores y peces»\nExposición homenaje a Miguel Escanciano.\nGalería Ármaga.\nViernes 10\, febrero 2023 a las 20h\nDel 10.02.23 – 25.03.23\nComo acto previo al Homenaje promovido por el Ayuntamiento de León\, la Galería de Arte Ármaga organiza la exposición póstuma de Miguel Escanciano: » Un sueño de hojas\, flores y peces» Una serie de piezas de diferentes épocas del artista así como publicaciones acompañan esta vez la sala\, en una de las más sentidas muestras de admiración y afecto hacia el amigo y creador. Os esperamos Presentación: Viernes 10 de febrero de 2023 a l as 20:00 h Exposición: 10.02.23 – 25.03.23 » .. Descanse en paz el amigo\, el poeta\, el músico\, el pintor\, el soñador de peces y de manzanas que siempre estaba en las nubes y cuyos cuadros estaban llenos de personajes alegres\, pero de cuyos ojos pendía una lágrima furtiva. Como del de Miguel.” Julio Llamazares
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LOCATION:ARMAGA\, Calle Alfonso V\, 6\, León\, León\, 24001 \, España
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SUMMARY:II exposición: Jóvenes artistas de León. El Candil
DESCRIPTION:II exposición: Jóvenes artistas de León.\nEl Candil\nDomingo 12 de febrero de 2022\nHasta el 5 de marzo\nInauguración: Domingo 12 de febrero de 2022 a las 12 horas.
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LOCATION:El Candil\, Calle Antolín López Peláez\, 4\, León\, León\, 24006\, España
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SUMMARY:Homenaje a Miguel Escanciano. Auditorio ciudad de León.
DESCRIPTION:Homenaje a Miguel Escanciano.\nAuditorio ciudad de León.\nViernes 17.02.2023 20 h
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SUMMARY:'Concretos' 29 obras de 24 artistas nacionales e internacionales. MUSAC
DESCRIPTION:‘Concretos’\n29 obras de 24 artistas nacionales e internacionales.\nMUSAC\n18 de febrero – 28 mayo de 2023\n“Concretos”\, exposición que tiene el hormigón como eje temático y que reúne una treintena de obras de 24 artistas nacionales e internacionales\, entre los que se incluyen los castellanos y leoneses Esther Gatón\, Ángel Mateos y Montaje. \nLa viceconsejera de Acción Cultural\, Mar Sancho\, acompañada del director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León\, Álvaro Rodríguez Fominaya\, y el director de Tea Tenerife Espacio de las Artes\, Gilberto González\, han presentado hoy en rueda de prensa la exposición colectiva “Concretos”\, que se abrirá al público mañana sábado de 19:00 a 21:00 horas con entrada libre. La muestra\, coproducida por MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León y TEA Tenerife Espacio de las Artes\, reflexiona sobre el impacto del hormigón —denominado concreto en algunos países de Latinoamérica—no solo en la arquitectura y el desarrollo urbano\, sino también en el ámbito artístico. \nCon motivo de la inauguración\, la entrada al museo es gratuita durante todo el fin de semana y se ofrecen visitas a la exposición el sábado a las 19:30 y el domingo a las 18:00 horas.  \nLa exposición\, comisariada por Pablo León de la Barra y Gilberto González\, reúne 29 obras de los artistas Pablo Accinelli\, Andreas Angelidakis\, Alexander Apóstol\, Chico Buarque\, Marcelo Cidade\, Céline Condorelli\, June Crespo\, Cyprien Gaillard\, Esther Gatón\, Dominique Gonzalez-Foerster\, Federico Herrero\, Nancy Holt\, Clara Ianni\, Talles Lopes\, Ángel Mateos\, Adrien Missika\, Montaje\, Rafa Munárriz\, Pérez y Requena\, Abraham Riverón\, Guy Tillim\, Andreas Valentin\, Josep Vilageliu\, Jane & Louise Wilson; quienes a través del cemento analizan procesos políticos\, económicos y sociales que han tenido lugar en la tardomodernidad. \n“Concretos”\, que podrá visitarse hasta el próximo 28 de mayo\, reúne obras de diferentes técnicas y medios –instalación\, escultura\, fotografía\, vídeo\, o piezas sonoras–\, entre ellas siete producidas específicamente para este proyecto: Sección Mínima\, de Rafa Munarriz; Hier is de zon\, de Abraham Riverón; Insulted Awake\, de Esther Gatón; Arrife (las propias piedras)\, de Pérez y Requena; Volumes\, de Federico Herrero; Core\, de June Crespo\, y Lo concreto de lo abstracto\, de Montaje. \nDe una ubicuidad insospechada\, el cemento ha acabado por reconfigurar toda la superficie del planeta. Nuestra mirada se ha forjado en un tiempo en el que su ausencia es ya impensable\, de tal modo que se nos presenta como una clara metáfora de la globalización\, como un proceso ya imparable. Distintos regímenes políticos acabaron -acaban aún- irremediablemente seducidas por las posibilidades que el material ofrece a quienes fervientemente desean la construcción de un nuevo orden. Sin embargo\, es su imbatible ductilidad y posterior dureza lo que mejor ejemplariza el modo en que los flujos de capital\, y la ausencia de los mismos\, acaban por tornar todas esas promesas en escenarios de obsolescencia sociopolítica. \nEl hormigón supuso para el movimiento moderno y más adelante para el brutalismo\, ya durante la tardomodernidad\, liberarse definitivamente de la pesada carga estilística y formal que hasta entonces se había fundamentado en la idea de la historia como un devenir acompasado. La reacción no era otra que la imperante necesidad de romper con la tradición que nos abocaba a la catástrofe tras dos contiendas mundiales. Se liberaba así todo su potencial\, permitiendo por otro lado y ante el inusitado aumento de la población mundial\, dar respuesta a las acuciantes necesidades habitacionales y de infraestructura que se producían principalmente en el ámbito urbano. \nMuchas de las propuestas que los distintos artistas traen a esta exposición persiguen desentrañar el momento en que las distintas cargas de utopía que encierra cada proyecto comienzan a revelarse como inalcanzables. Entre muchos otros\, los casos de Brasilia y Trípoli resultan paradigmáticos en cuanto revelan como en el propio germen fundacional se esconde la imposibilidad de que la imagen construida colme algún tipo de sueño colectivo. La arquitectura y el urbanismo se debaten así frente a la imposibilidad del consenso y ante la evidencia de que cualquier idea de control férreo del espacio acaba por sucumbir ante programas inesperados. \nEn el ámbito de Castilla y León\, el trabajo de los arquitectos Montaje (Andrés Carretero & Saúl Alonso. Valladolid /1986) nos permitirá ahondar en la propia plasticidad del material no sólo en términos formales\, sino incluso ideológicos; y como el mismo ha conformado las tensiones\, conflictos y acuerdos de gran parte del siglo XX en el territorio. También se presenta una pieza sonora en la que la artista vallisoletana Esther Gatón (1988) reflexiona sobre el futuro de la arquitectura\, así como\nuna escultura de pequeño formato perteneciente a la última\netapa la carrera del artista salmantino Ángel Mateos (1931 –2022). \nActividades durante el fin de semana inaugural \n– Sábado 18 de febrero\, 19:30 h. Visita inaugural con Gilberto González\, co-comisario \n– Domingo 19 de febrero\, 18:00 h. Visita monográfica a Concretos \nInformación práctica \nTítulo de la exposición: Concretos\nArtistas: Pablo Accinelli\, Andreas Angelidakis\, Alexander Apóstol\, Chico Buarque\, Marcelo Cidade\, Céline Condorelli\, June Crespo\, Cyprien Gaillard\, Esther Gatón\, Dominique Gonzalez-Foerster\, Federico Herrero\, Nancy Holt\, Clara Ianni\, Talles Lopes\, Ángel Mateos\, Adrien Missika\, Montaje (Saúl Alonso\, Andrés Carretero)\, Rafa Munárriz\, Pérez y Requena\, Abraham Riverón\, Guy Tillim\, Andreas Valentin\, Josep Vilageliu\, Jane & Louise Wilson. \nExposición coproducida con TEA Tenerife Espacio de las Artes
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SUMMARY:Araceli Larrán. Presentación de obra en el Camarote Madrid.
DESCRIPTION:Araceli Larrán.\nPresentación de obra en el Camarote Madrid.\nMiércoles 1\, marzo 2023\, 12:30 h\nAraceli Larrán en el Camarote Madrid durante el mes de marzo\nLas obras presentadas forman parte del proyecto Nada y Más\, fruto de  sensaciones\, y emociones vividas durante el tiempo de pandemia\, desde el silencio del taller. Desde ese vacío que supuso el aislamiento\, el tedio\, el desánimo\, era necesario buscar\, crear\, experimentar\, y sobre todo sentir.\nBajo el título LIBRE\, esta obra\, es un grito\, que representa la emoción contenida que explota\, es la mujer que se libera\, sin trabas\, hacia el agua\, como símbolo de libertad\, con sus reflejos\, luces y colores\, siempre en movimiento\, inesperado\, variable\, continuo\, sin normas. \n“Oculta en lo representado\, tras el recorte forzado surge la mujer en un nuevo espacio\,\nuna composición donde la figura se escapa\, se generan formas que gritan emociones contenidas.” \nMe interesa la pintura como materia\, las texturas\, la investigación de los soportes\, la re-utilización de materiales de desecho\, el juego de la composición en formatos diferentes. \nEn la génesis de mi obra está  siempre la preocupación por la composición y la expresión. Pienso en encuadres\, fragmentos de realidad. Me interesa mostrar la realidad compartimentada\, imágenes parceladas\, fragmentos geométricos en esas formas orgánicas\, instantáneas de la realidad. \nAunque figurativa conceptualmente\, el sometimiento a la  fotografía que utilizo en cada caso como referente\, así como la indagación profunda en los materiales y soportes\, me lleva en ocasiones hacia obras cercanas a la abstracción. \n“Es la búsqueda de imágenes en fragmentos robados\, una iconografía compartida\,\nuna reflexión sobre la expresión oculta en lo representado.”
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