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SUMMARY:Adriana Bustos. Prosa de observatorio. MUSAC
DESCRIPTION:La primera exposición en España de la artista Adriana Bustos \n‘Prosa del observatorio’ es el título de la primera exposición individual en España de Adriana Bustos (Bahía Blanca\, Argentina\, 1965)\, artista interesada en las prácticas documentales que emplea la instalación\, el vídeo\, la fotografía o el dibujo como medios para desarrollar un discurso narrativo en el que predominan las reflexiones sobre las opresiones sociales\, políticas o religiosas\, en una interpretación no lineal de la historia.  \nLa obra de Bustos se refiere a hechos históricos acontecidos a ambos lados del Atlántico\, en diferentes periodos cronológicos que van desde la época colonial hasta la actualidad. Su práctica parte de un trabajo de campo en el que la artista lleva a cabo una investigación heterogénea relativa a la historia\, las ciencias sociales y las ciencias naturales. Su capacidad asociativa y la yuxtaposición de datos se traduce en obras que\, a modo de recursos didácticos\, proporcionan información\, aparentemente desordenada e inconexa\, de personajes\, objetos\, anuncios publicitarios\, mapas\, documentos\, rutas\, códigos genéticos o estudios botánicos\, a través de las cuales Bustos traza un relato no lineal de la historia con el que releer algunos acontecimientos históricos. \nLa muestra ‘Prosa del observatorio’\, que podrá visitarse hasta el 19 de noviembre\, da cuenta de las principales líneas de investigación e intereses de la artista y realiza un recorrido por su trayectoria a través de tres series de trabajos: ‘Antropología de la mula’ (2007-2011)\, ‘¿Quién dice qué a quién?’ (2016-2017)\, y una serie de reciente producción titulada ‘El retorno de lo reprimido’ (2017). La primera de estas series\, iniciada en 2007\, traza un paralelismo entre las rutas coloniales y las rutas del narcotráfico en América Latina\, a la vez que interpreta el tráfico de personas y cosas como aspecto sustancial de las dinámicas económicas de explotación\, producción y comercialización\, desde la época de las colonias hasta nuestros días.Este proyecto tiene su continuación en ‘El retorno de lo reprimido’ (2017)\, en el que la artista  investiga el comercio con esclavos negros a principios del siglo XIX desde los puertos españoles\, particularmente el de A Coruña\, hacia América. En paralelo\, indaga sobre las conexiones que existen entre ambos continentes en relación al tráfico de drogas actual. Esta dualidad geográfica y temporal se refleja asimismo en el proyecto ‘¿Quién dice qué a quién?’ (2016-2017)\, en el que establecen paralelismos sobre la censura sufrida por la prensa y otras profesiones creativas durante las dictaduras española y argentina\, haciendo hincapié sobre la cibernética como sistema de control social y la propaganda como creadora de opinión pública. \n‘Prosa del observatorio’ toma su título de la obra homónima de Julio Cortázar (1972)\, en la que el autor argentino establece  correspondencias entre la migración de las anguilas por los ríos europeos y las observaciones nocturnas del maharajá Jai Singh\, creador de observatorios astronómicos durante siglo XVIII en Jaipur y Delhi. Al modo de Cortázar\, Adriana Bustos despliega su pensamiento para determinar significados relacionales ocultos entre acontecimientos históricos enmarcados en periodos cronológicos diferentes. El título podría sintetizar el trabajo de Bustos\, dejando patente su posición como observadora de la historia y su adscripción al análisis de una de las acepciones de la palabra prosa: “el aspecto o parte de las cosas que se contrapone al ideal y la perfección de ellas”. \nInformación práctica:\nTítulo de la exposición: Prosa del observatorio\nArtista: Adriana Bustos\nComisariado:Susana González\nFechas: 17 de junio -19 de noviembre de 2017\nLugar:MUSAC. Sala 3\nHorario de apertura:\nMartes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h.\nSábados\, domingos y festivos de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h.\nLos lunes y días 25 de diciembre y 1 de enero cerrado.\nTarifas de entrada:3 € general / 2 ó 1€ reducida.\nEntrada gratuita de martes a jueves 19:00 -20:00 h. y domingos 17:00-21:00 \n 
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SUMMARY:'chance&change' de Herman de Vries en el MUSAC.
DESCRIPTION:Un proyecto específico para el MUSAC de herman de vries \n‘chance & change’ es el título de la primera exposición individual en España de herman de vries (Alkmaar\, Países Bajos\, 1931)\, un proyecto específico para el MUSAC comisariado por Kristine Guzman. La muestra abarca un extenso período de trabajo del artista\, desde los años 60 hasta la actualidad\, a través de una selección de esculturas\, instalaciones\, dibujos\, collages y tres nuevas obras producidas específicamente para este proyecto. \nDesde sus primeras obras realizadas en el marco del movimiento artístico ZERO\, que profundizan en la idea del azar; a sus producciones más recientes\, que utilizan la naturaleza como materia prima; la exposición trata de mostrar la versatilidad y la coherencia en la trayectoria de un artista que combina la ciencia\, el arte\, la filosofía y la naturaleza en su producción. \nFormado en el ámbito de la horticultura y las ciencias naturales\, la práctica de herman de vries emana de los fenómenos y procesos naturales\, que para él son la base de la experiencia humana y constituyen la obra de arte física y autónoma que él como artista debe presentar. de vries recoge\, cataloga\, aísla y exhibe materiales y objetos de la naturaleza\, dirigiendo nuestra atención hacia la diversidad y unidad del mundo que nos rodea.   \nEl título de la muestra\, ‘chance & change’\, está formado por las palabras casualidad/oportunidad (chance en inglés) y cambio (change)\, dos conceptos relacionados que han jugado un papel fundamental en la vida y la obra de de vries\, y a partir de los cuales trabaja como artista\, científico\, filósofo y poeta. Para de vries\, la existencia depende de los ‘campos de oportunidad/casualidad’ (chance fields). La casualidad produce cambios y el cambio produce casualidades. Cada momento y cada lugar es un campo de casualidad y oportunidad. \nInformación práctica\nTítulo: chance &change\nArtista: herman de vries\nComisariado: Kristine Guzmán\nFechas: 17 de junio de 2017 -4 de febrero de 2018\nLugar: MUSAC. Sala 2\nHorario de apertura:\nMartes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h.\nSábados\, domingos y festivos de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h.\nLos lunes y días 25 de diciembre y 1 de enero cerrado.\nTarifas de entrada:3 € general / 2 ó 1€ reducida.\nEntrada gratuita de martes a jueves 19:00 -20:00 h. y domingos 17:00-21:00
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SUMMARY:HYBRIS. Una posible aproximación ecoestética. MUSAC
DESCRIPTION:HYBRIS. Una posible aproximación ecoestética. \nComisariado: Blanca de la Torre \nCoordinación: Carlos Ordás \nArtistas: Elena Aitzkoa\, Amy Balkin\, Zigor Barayazarra\, Jorge Barbi\, Guillem Bayo\, Basurama\, Luna Bengoechea Peña\, Joseph Beuys\, Juanli Carrión\, Jacobo Castellano\, Carma Casulá\, Agnes Denes\, Nicole Dextras\, Bárbara Fluxá\, Regina José Galindo\, Nilo Gallego / Felipe Quintana\, Fernando García-Dory\, Andy Goldsworthy\, Newton & Helen Mayer Harrison\, Basia Irland\, Patricia Johanson\, Maider López\, Lucia Loren\, Ana Mendieta\, Pablo Milicua\, Fina Miralles\, Santiago Morilla\, Vik Muniz\, Amor Muñoz\, Xavi Muñoz\, Teresa Murak\, Katie Paterson\, Asia Piaściky / Monika Brauntsch\, Herman Prigann\, Vegonha Rodríguez\, Adolfo Schlosser\, Alan Sonfist\, Hiroshi Sunairi\, Juan Zamora \nHybris reflexiona en torno al potencial del arte como herramienta tanto de acción como de subjetivación en relación a las problemáticas ecológicas del momento presente.  \nLa muestra crea un paisaje que habla de ecología política\, económica y social a partir de las miradas de una cuarentena de artistas internacionales\, nacionales y locales\, todos los cuales contribuyen de un modo u otro al pensamiento sobre el mantenimiento del equilibrio ecosistémico\, bien trabajando desde la naturaleza mediante gestos que tendrían más que ver con lo simbólico; bien buscando algún tipo de impacto más tangible. En sus obras\, tanto el contenido como la forma hablan de ecología desde un planteamiento ecoestético que va más allá de la simple crítica a las conocidas consecuencias que está ocasionando el cambio climático. La propia exposición actúa de un modo respetuoso con el medio ambiente\, en una actitud de respuesta hacia la hybris o desmesura que caracteriza el presente\, con una intención de búsqueda de alternativas que contribuyan a lograr un cambio de paradigma y a colaborar en aras de un futuro más habitable para todos. \nEl enfoque de Hybris pretende un acercamiento diferente a la relación del arte con la ecología y sostenibilidad\, dos conceptos muy cuestionables a causa de las cada vez más presentes técnicas de greenwashing (ecolavado) utilizadas por un gran número de corporaciones y empresas. La exposición se acerca a los planteamientos de Felix Guattari\, para quien la ecología cuestiona el conjunto de la subjetividad y de las formaciones de poderes capitalistas. El filósofo francés establece como base de su teoría ecosófica la interconexión y articulación inseparable de tres ámbitos: el medioambiental\, el social y el de la subjetividad humana. \nPor ello\, y con el fin de realizar un proyecto coherente con este planteamiento\, la metodología de selección curatorial ha estado deliberadamente condicionada por los modos de hacer\, con el objetivo de apuntalar la consistencia del proyecto y abrir una puerta a la búsqueda de otros modos de consumo más éticos. Se han establecido unas directrices a seguir\, tales como criterios de cercanía en la selección y huella ecológica del transporte de obras\, utilización de materiales y procesos ecológicos\, reciclaje de dispositivos y materiales expositivos\, rechazo a la construcción de muros\, etc.  \nHybris reflexiona así sobre los modos posibles a la hora de pensar términos tan complejos como el de “ecología”\, y propone una aproximación al arte como un modo de posicionarse ante la realidad\, como un medio de denuncia y concienciación que abra camino hacia una posible estética ecológica. Desde el arte se debe contribuir al debate público sobre las políticas de sostenibilidad\, desarrollar propuestas creativas que —tanto en forma como en fondo— propongan modos alternativos —desde lo simbólico y desde lo práctico— de trabajar con el medio ambiente de manera justa y sostenible. \nLa exposición se divide en tres capítulos\, cada uno de los cuales está compuesto por dos apartados temáticos que no operan en paralelo\, sino en permanente entrecruzamiento\, cuyo telón de fondo pretende recuperar la relación entre ética y estética. Estas divisiones formales sirven para poner sobre la mesa algunas de las problemáticas ecológicas más acuciantes: la degradación ambiental\, la deforestación\, la polución\, la gestión de los hábitos de consumo y de los residuos\, el uso de transgénicos y la soberanía alimentaria\, la importancia de la preservación de las culturas indígenas\, la contaminación del agua y la extinción de las especies autóctonas\, entre muchas otras.  \nEl primer capítulo\, bajo el epígrafe SOLUCIONES\, engloba dos apartados: el primero trata lo que podría denominarse como “prácticas de recuperación”\, las conocidas como Restaurationist Aesthetics\, Remediation Art o Land Reclamation\, en intrínseca relación con el segundo apartado\, Ecovention; dos categorías que se caracterizan por ofrecer soluciones prácticas a problemas ecológicos. En el primer caso se suelen trabajar contextos específicos\, generalmente espacios contaminados o entornos industriales abandonados\, mientras que en la segunda se ofrecen creaciones no necesariamente ligadas a un lugar específico. La siguiente sala\, REUTILIZACIONES\, agrupa por un lado a artistas que trabajan con basura y materiales encontrados o reciclados\, junto a los que utilizan materiales naturales como base de sus propuestas artísticas. Los materiales encontrados\, tanto en el entorno urbano como en el natural\, hablan de una actitud muy acorde con el no consumismo\, el decrecimiento y la importancia de señalar “lo que ya está ahí”. Finalmente\, en el último apartado\, ACCIONES\, podrán verse obras relacionadas con la performance y otras conocidas como “prácticas colaborativas”. \nEs importante incidir en la permeabilidad de las fronteras de los ejes aquí planteados y repensar la idea de naturaleza y de respeto al entorno de un modo más holístico e inclusivo\, donde los paisajes natural y urbano se hibridan y donde se tienen en cuenta las esferas comentadas en relación a Guattari.  \nACTIVIDADES PARALELAS  \nCiclo de cine\nPlaneta Cine. El cine en defensa del ecosistema\nLos martes de julio y agosto a las 22:00 h en el patio del MUSAC \nCiclo de cuentacuentos\nCuentos sostenibles\n24 de septiembre. De agua y barro\, por Quasar Teatro\n22 de octubre. Arroz\, por Cocinando Cuentos\n19 de noviembre. Farmyard\, por Kids & Us León \n17 de diciembre. Hojas y hojas\, por Kids & Us León \nEncuentro\nCrear el cambio. Prácticas artísticas y sociedades en transición\n15 y 16 de diciembre de 2017\nEncuentro enmarcado dentro de las actividades del proyecto de investigación“Humanidades ambientales. Estrategias para la empatía ecológica y la transición hacia sociedades sostenibles”. \nHorario de apertura:\nMartes-viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h.\nSábados\, domingos y festivos de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h.\nLos lunes y días 25 de diciembre y 1 de enero cerrado.\nTarifas de entrada:3 € general / 2 ó 1€ reducida.\nEntrada gratuita de martes a jueves 19:00 -20:00 h. y domingos 17:00-21:00 \n 
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SUMMARY:'El silencio absoluto no existe' del cubano Adrián Melis. En la Fundación Cerezales.
DESCRIPTION:‘El silencio absoluto no existe’ del cubano Adrián Melis. En la Fundación Cerezales. Del 6 de agosto al 12 de noviembre \nVerano:\nDe martes a domingo\nDe 12.00 a 14.00 y de 19.00 a 21.00 h. \nOtoño:\nDe martes a domingo\nDe 12.00 a 14.00 y de 16.00 a 19.00 h.\nLunes cerrado \nA través de esta muestra se pretende observar la práctica artística de\nAdrian Melis como trabajo afectivo y simultáneamente interpretarle como\nun inversor en trabajo inmaterial. Se entiende por trabajo inmaterial\,\naquel que “genera productos inmateriales como conocimiento\,\ninformación\, comunicación\, una relación o una respuesta emocional”.\nTrabajo afectivo es aquel que tiene como intención producir o modificar\nexperiencias emocionales en las personas”.\nEl concepto global de la exposición gira en torno a los sistemas de\nproducción derivados de la propiedad intelectual y del trabajo mental y\nfísico. Asimismo se tratará el concepto de “políticas de la empatía”. \n«Glorias de un futuro olvidado» es una de las obras de la exposición que abre el día 6 de agosto («El silencio absoluto no existe») Se grabó en el 2016 con la colaboración de algunas ancianas de Cuba. El artista cubano\, Adrian Melis\, les pidió que recordaran un momento de su pasado a través de una canción. La mayoría de las mujeres que fueron elegidas para participar en el proyecto eran jóvenes durante el próspero periodo justo antes del triunfo de la Revolución y también vivieron el periodo de transición (en los años 50 y 60). En esa época de sus vidas confiaban en alcanzar un futuro brillante y glorioso. \nMelis quiso que se situaran mentalmente en una discoteca o sala de baile de la era capitalista de Cuba\, y que fueran más allá del simple recuerdo del pasado. La mayoría de ellas perdieron todo lo que tenían y su sueño de un futuro prometedor se desvaneció con la transición al Comunismo. Lo que queda es el momento de ilusión que se refleja en el vídeo\, un recuerdo de un hipotético futuro glorioso.\nPodrás verlo a partir del 6 de agosto\, en nuestra sala de exposiciones
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LOCATION:FUNDACIÓN CEREZALES\, C/ Antonino Fernández\, 76\, Cerezales del Condado\, León\, 24150 \, España
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SUMMARY:'En desarrollo' Exposición de Marina Morla en el Palacio de Don Gutierre.
DESCRIPTION:Enmarcada dentro del ciclo ‘INTERVENCIONES EN EL PALACIO DON GUTIERRE 2017’\, recibe el nombre de ‘En Desarrollo’.\n \nMarina Morla González nace el 4 de julio de 1994 en León. Aunque su formación académica se centra en el ámbito del Derecho Sanitario\, el arte siempre ha tenido un papel activo en su vida; es hija del escultor José M. Morla. Su primera exposición artística la realizó en el hall de la Facultad de Filosofía y Letras en la Universidad de León\, en mayo del año 2016\, tomando parte en una serie de actividades culturales organizadas por la misma para acercar el arte a los estudiantes. Durante ese mismo año\, recibió enseñanzas de Charo Acera\, escultora y profesora de la escuela de Arte de León\, y de Antonio Hernández\, reconocido acuarelista en León. También ha sido alumna en The Art Students’ League of New York\, donde practicó técnicas de dibujo\, acuarela y escultura de la mano de artistas de reputado prestigio en Nueva York\, así como nutrirse del ambiente artístico de la ciudad\, visitando museos donde se encuentran las obras de los más reconocidos artistas de la Historia del Arte. También ha realizado Joyería durante el curso 2016-2017 de la mano del profesor Jorge Salcedo\, en CEARCAL (Valladolid)\, con la intención de conocer nuevas técnicas para llevar el arte a este oficio artístico.\n \nEn septiembre de 2016 Marina tomó parte en la exitosa exposición “20 artistas leoneses en homenaje a Vela Zanetti”\, que tuvo lugar en la Fundación Vela Zanetti. Allí su obra “A voleo” compartió escena con las obras de 19 grandes artistas de su ciudad con motivo del vigésimo aniversario del museo.\n \nMarina ha participado en distintas actividades culturales en su ciudad ilustrando carteles de proyectos (Día Internacional de la Mujer\, Cervantes por León\, Milenario de los Fueros de León\, con SOFCAPLE). También realiza las insignias condecorativas del 30 aniversario de la figura del Defensor de la Comunidad Universitaria\, homenaje que se celebrará en septiembre de 2017 en la Universidad de León.\n \nEntre sus proyectos futuros a corto plazo está  la exposición artística en el Palacio Don Gutierre de León\, donde se podrán observar los lazos de unión entre el arte\, las culturas y los Derechos Humanos; ilustrar un Quijote\, una exposición temporal en el museo Vela Zanetti etc. Y no dejar de formarse y aprender del arte.\n \nLa muestra podrá visitarse los días laborables desde el 22 de septiembre hasta el 15 de diciembre de 2017 en el Palacio Don Gutierre\, días laborables\, en horario de 9.00 a 21.00 horas.
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SUMMARY:'Danger\, peligro en la mina' Exposición temporal en el Museo de la Siderurgia y de la Minería de Sabero
DESCRIPTION:El Museo de la Siderurgia y la Minería acoge  la exposición ‘Danger. Peligro en la mina’ que muestra los peligros de esta profesión.   \nEl sábado 30 de septiembre se inaugura en el  Museo de la Siderurgia y la Minería de Castilla y una nueva exposición temporal ‘Danger. Peligro en la mina’\, que muestra los principales accidentes que ocurren en el trabajo minero. \nDanger. Peligro en la mina’\, recoge los principales accidentes que ocurren en el trabajo minero\, sus causas y consecuencias\, así como las medidas de prevención y los medios con los que cuentan las empresas mineras para actuar en caso de accidente.  \nLa exposición\, comisariada por el historiador de la minería Fernando Cuevas\, cuenta con la colaboración del Club de Entibadores Palentinos\, que ha realizado una fiel recreación del interior de una explotación minera\, con cinco galerías en las que se simulan diferentes tipos de accidentes\, vinculados a derrumbes\, derrabes\, inundaciones\, explosiones y golpes. \nLa muestra también recoge testimonios de mineros y viudas de mineros que relatan en primera persona graves accidentes ocurridos en el interior de la mina. \nCon esta exposición\, el museo quiere rendir un homenaje a todos aquellos trabajadores que un día perdieron su vida trabajando en la mina. \nEl trabajo en la minería subterránea\, y especialmente en la del carbón\, es considerado uno de los más peligrosos que existen. Los mineros desarrollan sus labores en un ambiente antinatural como es el interior de la tierra. Las fuertes presiones de la montaña\, los gases letales que hacen irrespirable la atmósfera minera\, la utilización de explosivos en lugares cerrados\, la posibilidad de encontrarse con aguas subterráneas\, los espacios reducidos donde es difícil maniobrar con maquinaria\, la escasez de iluminación o el estrés generado por condiciones tan extremas en el lugar de trabajo\, son solo algunos de los innumerables factores que han hecho de la mina el lugar idóneo para los accidentes laborales. \nNo es de extrañar por tanto que grandes catástrofes hayan salpicado la historia de las explotaciones carboneras. \nAutoridades\, obreros y empresarios vieron la necesidad de combatir estos problemas. \nLa prevención como medida más eficaz\, nuevos adelantos\, como la lámpara de seguridad\, que se anticipaban a los posibles peligros… cualquier medida era buena para evitar el tributo de sangre que la mina siempre ha exigido. \nLa exposición\, puesta en marcha por la Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León\, se inaugurará el próximo sábado día 30 de septiembre a las cinco de la tarde\, con entrada libre. \n 
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LOCATION:Museo de la siderurgia y de la minería de  Castilla y León\, Plaza San Blas\, 1\, Sabero\, León\, 24810\, España
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SUMMARY:'Viral' Exposición de pintura de Cristina Pastrana en La Fundación Vela Zanetti.
DESCRIPTION:El miércoles 4 de octubre a las 20:00 horas se inaugura ‘Viral’\, una exposición de pintura de Cristina Pastrana en La Fundación Vela Zanetti. \nVIRAL \n          Vivimos en un mundo aséptico donde creemos que la limpieza es el antídoto del miedo. Vacunas\, antivirus y alarmas son nuestros guardianes. Cuando fallan\, nos sentimos solos\, vacíos\, vulnerables\, desesperados e impotentes.  Entonces evidenciamos nuestra intolerancia a la frustración y comenzamos a descubrirnos como seres inacabados con un futuro indeterminado para hacernos a nosotros mismos. Y es que “somos problemas vivientes en un tiempo que no cesa y con una exigencia que no aguarda”. Nuestra realidad\, la que  define el suelo que pisamos y el cielo que nos mira\, la misma que contribuye a nuestro desarrollo y nos ciñe con sus límites\,  desaparece en segundos convirtiéndose en un interrogante. En ese momento nos preguntamos si dependemos más de esa realidad que de lo que somos y si nuestra vida la decidimos nosotros o la dejamos en manos ajenas. La socialización nos ha llevado a vender aquello que demandan los demás\, soterrando lo más valioso de nosotros. \n          Viral es una exposición en la que se ensalzan los virus que llevamos dentro\, esos que no exteriorizamos por miedo a que nos etiqueten y nos releguen. Hablamos de injusticia pero carecemos de valor para hacer frente a nuestra verdad porque el valor\, que se aprende con la educación\, es un acto de humildad y generosidad que se erige sobre un instinto animal de conservación. Así como el miedo es la inseguridad y funciona en casi todo como instinto de supervivencia\, la cultura propicia la seguridad\, la conciencia de que todo es inseguro e incontrolable. \n         Viral es una apuesta por el riesgo de vivir\, sufrir\, emocionarse\, equivocarse\, perderse\, encontrarse\, perdonarse\, el compromiso y la aceptación de lo que somos sin consentir que nos limiten. Viral es aprender para desaprender\, creer para crear\, ser consciente de que lo importante es ser quien eres\, hacerte poco a poco y desarrollarte al máximo. Este espíritu trasgresor en una sociedad que se asienta en el éxito\, la productividad y la competitividad es imprescindible para sobrevivir. Admitir el carácter incontrolable de la vida como base de nuestro crecimiento personal\, evitará nuestra frustración y miedo al fracaso. \n           Viral se erige como herramienta creativa aprovechando materiales en desuso para transformarlos en  proyecciones de nuestra esencia. El deseo de superación\, de transformar y transformarse está reflejado en la elección de los mismos\, soportes versátiles derivados del plástico\, que representan nuestra fragilidad como seres humanos\, capaces de convertir la adversidad en creatividad y las frustraciones en emociones que nos ayuden a crecer. \n           La sinestesia entre color y movimiento\, a partir de una fantasía abstracta\, revela a Viral como radiografía de esas emociones que constituyen la chispa de la vida. \n                                                                        Ana Cristina Pastrana \n  BIOBIBLIOGRAFIA \n Ana Cristina Pastrana\, pintora\, ilustradora y escritora leonesa\, lleva treinta años colaborando en diversas publicaciones de ámbito local y nacional. \n           Tiene en su haber varios premios literarios de cuento y poesía\, tales como el Carmen Martín Gaite o el Salvador García Giménez. \n          Como crítica literaria y pictórica\, ha colaborado en el Bierzo 7 en la sección de Cultura y Tronera\, también en el Diario de León\, en el Filandón\, en la sección “Saber mirar”. \n           En su faceta como pintora ha realizado varias exposiciones colectivas con la Asociación de Pintores del Bierzo y numerosas individuales. Entre ellas\, y en los últimos años: “Miradas”\, “Renacer” “En clave de humor” “Rotos” “Que ningún dedo te tape el sol”. También ha participado en colectivas a favor de Cáritas\, Cruz Roja y Prosalus\, así como en la organizada en homenaje a Vela Zanetti por la fundación que lleva su nombre. \n           Como ilustradora ha colaborado en varios libros\, entre otros\, “Cinco cuentos en tu mano”\, “Todas las mujeres que hay en mí”\, “Voces de mujer”\, “Las flores de la señora Lupe”\, etc. \n 
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SUMMARY:'Conversación para cuatro' Auditorio Ciudad de León
DESCRIPTION:Conversación para cuatro. Grupo Kaikoo mas artista invitado. Auditorio municipal ciudad de León. \nDel 11 al 27 de octubre.\nLunes a viernes de 18:00 a 21:00 horas\nSábados de 12:00 a 14:00 horas.\nAvenida de los Reyes Leoneses 4.  \nInauguración 11 de octubre a las 20:00 horas \nKAIKOO es una palabra japonesa que significa que la convivencia de energías creativas da como resultado una mayor energía y de ahí nuestro nombre. El Grupo Kaikoo somos José Luis Fincias\, Miguel Hernández y Menchu Fernández\, cada uno con una disciplina artística muy diferente. En esta ocasión hemos querido invitar al artista Rafa López en esta “Conversación para cuatro”. \nMIGUEL HERNÁNDEZ \nSus esculturas poseen una vertiente abstracta donde utiliza elementos primarios como piedra\, madera y metal\, sobre los que actúa con diferentes tipos de tratamientos. De tendencia constructivista\, emplea también materiales nuevos\, como el Solid Surface\, que habitualmente se utiliza en superficies sólidas para diferentes aplicaciones de la arquitectura e interiorismo. \nJOSÉ LUIS FINCIAS \nLa pintura de José Luis es llamativa\, colorista\, enérgica y pasional. Crea imágenes que transmiten sensaciones e inquietudes con un toque de fantasía pop. Y que suscitan una reacción emotiva en el observador. Mezcla materias como el óleo\, acrílico y los esmaltes que se hacen muy presentes en las texturas. \nMENCHU FERNÁNDEZ \nLa obra de esta ilustradora abarca varias técnicas clásicas que van desde el carboncillo en su serie de “Durmientes” hasta el óleo. Trabaja en muchas ocasiones el retrato como elemento de representación de estados emocionales en un universo muy femenino. \nRAFA LÓPEZ \nMezcla en su trabajo diferentes corrientes artísticas como el Neoexpresionismo\, el Surrealismo\, el Pop Art y la Abstracción\, entre otras. Comporta una visión ciertamente distorsionada y fantástica del mundo\, conteniendo y sugiriendo imágenes desnaturalizadas y deformadas de seres que reptan por el lienzo\, formas orgánicas que se retuercen\, o construcciones geométricas. \nLOS ARTISTAS \nMiguel Hernández Medina del Campo 1955 \nFormado en la Escuela de Arte de Valladolid donde se especializó en Interiorismo e Imaginería. \nCon amplia experiencia profesional en el campo del Interiorismo\, gracias a lo cual ha ido cimentando un sólido conocimiento sobre materiales que ha aplicado dentro de sus inquietudes artísticas a toda su obra escultórica. Su obra tiene carácter Constructivista y ha podido ser vista en gran número de salas de exposiciones y galerías. \nJosé Luis Fincias. Madrid 1969 \nArtista e Ilustrador\, con amplia experiencia en el mundo editorial y publicitario. Con una prolífica trayectoria de exposiciones tanto nacionales como internacionales en los últimos años. Forma parte del proyecto expositivo del Grupo Escolá\, con varias galerías en capitales catalanas. Y forma parte del fondo de artistas de la Galería Montsequi (Madrid) y otras galerías. \nMenchu Fernández \nBarakaldo 1974 \nLicenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (UPV). \nSu obra comienza desarrollándose en proyectos artísticos colectivos como “Ezkerrealdea Plastika”. También colabora entre otros artistas como el imaginero Ricardo Flecha y Sonia Alins. En 2012 dirige el cortometraje “Algo de la abuela Rosa”\, que tiene un amplio recorrido en festivales tanto nacionales como internacionales. Su trabajo como ilustradora puede verse en diferentes revistas nacionales. \nRafa López \nDos Hermanas (Sevilla) 1983 \nLicenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. \nPese a su juventud ha ganado muchos premios a nivel nacional como son\, el Premio Bancaja de pintura de Valencia en 2009\, dos premios en los años 2014 y 2015 en el Premio Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia o Premio “El Primero” en Zamora (2015)\, entre muchos otros. Así mismo\, ha estado entre los seleccionados en la edición de 2016 de Premio BMW de pintura. Siendo este mismo año\, uno de los siete artistas invitado a participar en el “I Encuentro Internacional de Artistas Paradores de España”. \n 
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SUMMARY:'Vuela pluma' Periferia teatro. Teatro San Francisco.
DESCRIPTION:“VUELA PLUMA”\nCIA-PERIFERIA TEATRO\n(MURCIA) \nSÁBADO 14 OCTUBRE / 18:00h.\nDOMINGO 15 OCTUBRE / 12:00h. \nEdad: a partir de 3 años. \n(Marionetas) \nRobín es un pájaro que vivía en una jaula\, los días pasaban tranquilamente\, la comida era puntual y la limpieza semanal\, pero era aburrido\, muy aburrido\, siempre en casa y sin amigos… hasta que una noche tuvo un sueño. La jaula se abrió y Robín por fin movió sus alas. A partir de ese momento\, nuestro protagonista\, no parará hasta encontrar a los demás pájaros y conseguir volar con otros pájaros como él. \n DIRECCIÓN: Juan Manuel Quiñonero \n AUTORES: Juan Manuel Quiñonero y Mariso García \n ACTRICES MANIPULADORAS: Mariso García e Iris Pascual \n ESCENOGRAFÍA: Juan Manuel Quiñonero\, Alfredo Guillámón y Pati Valcarcel. \n VESTUARIO: Raquel Bernal – El Recreo. \n DISEÑO GRÁFICO Y AUDIOVISUAL: Pedro Guirao \n MÚSICA: Vicent Huma \n SOBRE PERIFERIA \nEn estos últimos años la compañía Periferia Teatro ha tenido la gran suerte de poder mostrar sus últimos espectáculos\, “Pingüin”\, “Pocosueño”\, “Guyi-Guyi” y “Huellas” a niños y niñas de casi toda España y de varios países del mundo. Hay que decir que los premios nacionales e internacionales que hemos recibido\, tanto en este país (Feten\, Fira de Lleida\, Albaida)\, cómo en el Extranjero (Festival Internacional de Marionetas de Praga)\, han ayudado mucho en la proyección de la compañía. Hemos traducido nuestros espectáculo\, al inglés\, francés\, japonés…Hemos estado en México\, India\, Japón\, EEUU\, Colombia\, Bélgica\, Francia\, Taiwan …\, pudiendo comprobar que la risa de un niño/niña es universal y que el arte del Teatro de Títeres está presente en todo el mundo\, manifestándose en variadas y múltiples formas. \nDÓNDE NACEN LAS HISTORIAS \nLos espectáculos de Periferia Teatro surgen de la necesidad de contar\, de la necesidad de transmitir al niño que viene a vernos\, cómo vemos el mundo\, su mundo. Ese niño llega\, se sienta delante de nosotros en la butaca del teatro\, nos mira con sus grandes ojos transparentes y nos pregunta….¿Qué me vais a contar?. Nosotros buceamos en nuestro imaginario intentando encontrar respuestas. ¿Qué es lo que queremos decirle a un niño? ¿De qué vale la pena hablarle? ¿Qué puede ser interesante\, divertido y necesario para ser contado a los pequeños de la casa?…….y de ese dialogo surgen nuestras historias…historias como “VUELAPLUMA”\, en la que hablamos sobre el sueño de volar\, sobre cómo\, a veces\, los seres humanos\, cuando amamos a otro ser vivo\, somos capaces de privarlo de libertad\, con el único fin de que permanezca a nuestro lado. \nAsí que años después de nuestros comienzos y jugando a favor la experiencia\, nos embarcamos de nuevo en otro proyecto de teatro de títeres\, creando una puesta en escena para “VUELAPLUMA”\, como su bella historia creemos se merece \nEsta coproducción con el Teatro Circo de Murcia (TCM) coincide con la celebración del 25 aniversario de la compañía\, dedicada al mundo de la Infancia. Gracias al apoyo del TCM se ha hecho posible esta puesta en escena. \n 
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SUMMARY:Exposición colectiva "Arte en la Cueva de Llamazares" Centro Cívico "León Oeste"
DESCRIPTION:EXPOSICIÓN colectiva «Arte en la Cueva de Llamazares»\nCentro Cívico del Crucero ‘León Oeste’ Avda. de la Magdalena\, 1\nDías del 16 de octubre al 2 de noviembre de 2017\nPresentación a los Medios e inauguración lunes\, 16 de octubre\, a las 12.00 h.\nHorario_de lunes a sábado de 12.00 a 14.00 h. y de 18.00 a 21.00 h. _domingos y festivos\, cerrado \nPROYECTO EXPOSITIVO “CUEVA DE LLAMAZARES” \nSandra Fernández Loma es una entusiasta joven que\, junto a su familia regenta el centenario y famoso establecimiento de hostelería “La Venta de la Tuerta”. Gran amante de las artes plásticas\, desde hace años desarrolla una gran y encomiable labor promoviendo y organizando de un modo continuado\, exposiciones de arte\, tanto pintura\, fotografía y en casos escultura\, en el mencionado establecimiento de “La Venta de la Tuerta”. \nAsimismo\, como persona inquieta\, trabajadora y emprendedora\, lleva desde el pasado año la gestión de las visitas turísticas a la Cueva de Llamazares\, un extraordinario tesoro natural enclavado en el monte Coribos\, en Valdelugueros. \nComo un medio de fomentar y publicitar esta riqueza paisajística\, natural y maravillosa cueva y sus alrededores\, actividad extraordinaria en cuanto a poner en valor las numerosas riquezas que la provincia de León tiene\, ha organizado y puesto en marcha una exposición de pintura\, que de forma itinerante va recorriendo varias localidades de la provincia. \nEsta exposición cuyo tema monográfico es precisamente la citada Cueva de Llamazares\, ha contado para su realización con la entusiasta colaboración de más de veinte artistas de la provincia\, quienes han aportado en sus obras su visión personal sobre diversos aspectos de la cueva\, obras con un gran atractivo y valor artístico realmente encomiable.
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LOCATION:Centro Cívico El Crucero\, Avenida de la Magdalena 1\, León\, León\, 24009\, España
CATEGORIES:Exposiciones,Fotografía,Pintura
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